Alptraumhaft poetisch (1997)

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Armando Sapias kleine große Zeichnungen

Von Susanne Franz

Armando Sapias 1997-er Jahrgang ist starker Tobak. Aber er ist besser denn je, seine Tuschzeichnungen scheinen wie schwerelos und ohne Mühe aus Traumbildern entstanden, und seine Anlehnung an das Comic-Genre tut seiner Ernsthaftigkeit als großer Künstler keinen Abbruch – noch nimmt sie auch nur ein bisschen von dem Schrecken, den diese “kleinen” Zeichnungen zum Ausdruck bringen.

Armando Sapia ist zu dem Format zurückgekehrt, das seine Werke am intensivsten zur Geltung bringt: der relativ kleinformatigen Zeichnung.

Noch im letzten Jahr zeigte er in der Galerie Atica auch große Bilder, in denen sein durch impulsive Striche charakterisierter Stil sich ein wenig verlor.

Jetzt beweist Sapia wieder in alter Frische: weniger ist mehr. Blatt für Blatt bietet er dem Zuschauer dichte, alptraumhafte Szenarien von trauriger Poesie. Brennende Häuser, Berge von großen oder kleinen Toten, Menschenmassen, die mit Vorliebe auf sinnlos sich windenden Wegen dahineilen, Stacheldrahtzäune, tote Bäume, inszenierte Autounfälle.

Sapias Bilder sind überbevölkert wie die Erde, bewohnt von monsterähnlichen Roboterwesen, die eifrigst an der Zerstörung ihrer Umwelt arbeiten, nicht hilflose Opfer sind. “Wir sind ganz kurz vor dem Ende angelangt”, mahnen diese apokalyptischen Zeichnungen.

Der Artikel erschien am 4.10.1997 im “Argentinischen Tageblatt”.

Die Zeichnungen stammen von der Homepage Armando Sapias.

Pesadilla poética (1997)

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Los grandes dibujos chicos de Armando Sapia

Por Susanne Franz

La obra de Armando Sapia del año 1997 golpea fuerte. Pero al mismo tiempo es mejor que nunca. Sus tintas flotan sin gravedad, sin esfuerzo alguno, parecen haber nacido de imágenes soñadas. No desvaloriza su seriedad como gran artista la orientación más fuerte hacia el género del comic —y tampoco se alivia en lo más mínimo el horror que transmiten estos “pequeños” dibujos.

Armando Sapia vuelve con el formato que mejor transmite la intensidad de sus obras: el dibujo relativamente chico.

El año pasado mostró —también en la galería Atica— obras más grandes, donde se perdió un poco su estilo caracterizado por trazos instintivos.

Ahora, Sapia da la prueba, con toda frescura, de que menos es más. Hoja por hoja, ofrece al espectador escenas densas, pesadillescas, llenas de triste poesía. Casas en llamas, montañas de muertos, masas de personas que corren sin sentido por calles serpenteantes, tramos de alambre de púa, arboles muertos, choques de autos.

Los dibujos de Sapia son sobrepoblados como la Tierra. Abundan en ellos seres robóticos monstruosos, que trabajan con toda energía en la destrucción del medio ambiente. No son víctimas desamparadas. “Estamos a pocos pasos del fin”, advierten estas obras apocalípticas.

Artículo publicado en el “Argentinisches Tageblatt” del 4/10/1997.

Los dibujos provienen del sitio de Armando Sapia.

Vielseitiger Meister

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Retrospektive von Miguel Ángel Vidal bei Ángel Guido Art Project

Von Flora Roenneberg

Bis zum 22. Oktober ist in der Galerie Ángel Guido Art Project eine Retrospektive von Miguel Ángel Vidal zu sehen, einem bedeutenden Vertreter der argentinischen Avantgarde des 20. Jahrhunderts. Einige seiner Pionierarbeiten im Bereich der Digitalkunst sind heute Bestandteil der Sammlung des Victoria & Albert Museums in London, und sein Werk wurde im Guggenheim Museum in New York gezeigt.

Die von María Silvia Corcuera kuratierte Ausstellung in Buenos Aires (Suipacha 1217) zeigt “spezifische Momente der Arbeit Vidals, die dazu anregen, seine Stellung im argentinischen Kunstbetrieb neu zu bewerten”, schreibt die Kunstkritikerin Mercedes Casanegra anlässlich der bedeutenden Schau. Besonders interessant für den Besucher sind die verschiedenen Techniken und Materialien, die Vidal im Laufe seiner Karriere verwendet hat, darunter Öl, Tusche, Gouache auf Papier, Acryl und Aluminium.

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Maestro polifacético

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Retrospectiva de Miguel Ángel Vidal en Ángel Guido Art Project

Por Flora Roenneberg

Hasta el 22 de Octubre se puede ver en la Galería Ángel Guido Art Project una retrospectiva de Miguel Ángel Vidal, un importante representante de la vanguardia argentina del siglo 20. Algunas de sus obras pioneras en el ámbito del arte digital integran en la actualidad la colección del Museo “Victoria & Albert” en Londres, y su obra fue presentada en el Museo Guggenheim en Nueva York.

La exposición en Buenos Aires (Suipacha 1217), curada por María Silvia Corcuera, muestra momentos específicos de la obra de Vidal, que proponen a una nueva calificación de su posición dentro del mercado del arte argentino, según la crítica de arte Mercedes Casanegra con motivo de esta importante muestra. Es muy interesante contemplar las diversas técnicas y los diferentes materiales que Vidal ha utilizado en el transcurso de su carrera, como aceite, tinta china, gofrado sobre papel, acrílico y aluminio.

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Ein Chronist unserer Zeit

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Der US-Fotograf Steve McCurry stellt im Centro Cultural Borges aus

Von Valerie Thurner

Im Centro Cultural Borges wird die Einzelausstellung eines der besten zeitgenössischen Reportagefotografen erneut gezeigt. Die von der US-Botschaft unterstützte Schau zeigt eine Auswahl von 150 Fotografien des nordamerikanischen Fotografen Steve McCurry aus dem Zeitraum 1980 bis zur Gegenwart.

McCurry hat bisher über 75 Reisen nach Indien, Nepal, Tibet, Afghanistan, Kambodscha, die Philippinen oder Sri Lanka unternommen, wo er sich, der dokumentarischen Tradition verpflichtet, unermüdlich auf die Suche nach unvergesslichen Eindrücken von Kulturen und spannenden Schauplätzen macht. Vergängliche Augenblicke und flüchtige Impressionen von Realitäten fängt er fotografisch so gekonnt ein, dass er mehrfach ausgezeichnet wurde, unter anderem mit dem Robert Capa-Preis (1986) für seine Aufnahmen aus dem kriegsverwüsteten Afghanistan Anfang der 80er Jahre. Seine Bilder sind Zeitzeugen von Alltagsszenen, Straßenaufnahmen oder Aufnahmen von Menschen in Momenten der selbstvergessenen Freude oder Verzweiflung an Kriegsschauplätzen in aller Welt. Eine magnetische Anziehung haben auch seine eindrucksvollen Porträts.

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“Fühlbar falsches System”

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Philip Koch kritisiert mit seinem Film “Picco” den Jugendvollzug in Deutschland

Von Dilay Türk

Der deutsche Regisseur Philipp Koch (28) hat mit seinem Debutfilm “Picco”, der im Rahmen des Deutschen Kinofestivals in Buenos Aires gezeigt wird, geschockt, entsetzt und erschüttert. Das Drama schildert den Leidensweg eines jungen Häftlings, der in einer Gemeinschaftszelle von seinen drei Mithäftlingen auf brutalste Art gefoltert und schließlich umgebracht wird. Tatsächlich ist es zu einem solch erschreckenden Fall in einer deutschen Jugendvollzugsanstalt im Jahr 2006 gekommen. Im Interview erzählt Philipp Koch, Drehbuchautor und Regisseur des Films, von den Hintergründen seines Projektes.

DT: Mit dem Debutfilm in Cannes – wie fühlt sich das an?

Koch: Als wir eingeladen wurden, waren wir alle kollektiv fünf Tage total high. Das ist ja eigentlich so der “Urtraum” eines jeden Filmemachers, da zu laufen. Und dass es da gleich mit dem Debutfilm – respektive Abschlussfilm von der Filmhochschule – so weit kommt, das war ein großer Wunsch, aber auch eine Utopie. Und deshalb waren wir echt von den Socken, als es dann Realität wurde. Die 10 Tage in Cannes waren so eine Art Pheromon-Dauerrausch und natürlich auch extrem spannend.

DT: Warum haben Sie so einen Film gemacht?

Koch: Die Intention lässt sich eigentlich zusammenfassen als Sozialkritik, die schon ein ehemaliger Justizminister, Gustav Radbruch, angesprochen hat: Wir brauchen keine besseren Gefängnisse, wir brauchen etwas Besseres als das Gefängnis.

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“Un sistema que evidentemente no funciona”

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Con su film “Picco”, Philip Koch critica las cárceles para menores en Alemania

Por Dilay Türk

El regisseur alemán Philipp Koch (28) nos impactó, espantó y conmovió con su film “Picco” que fue proyectado en la nueva edición del Festival de Cine Alemán de Buenos Aires. El drama narra el calvario de un menor detenido que es maltratado brutalmente por otros tres detenidos que comparten su celda común y terminan por matarlo. Este caso tan estremecedor, basado en un hecho real, ocurrió en un centro de menores en el año 2006. En esta entrevista, Philipp Koch, guionista y director de la película, nos comenta sobre los motivos de su proyecto.

DT: ¿Cómo se siente con el debut en Cannes?

Koch: Cuando fuimos invitados, estuvimos festejando todos juntos durante cinco días sin parar. Podríamos decir que ir a Cannes es el “sueño originario” de todo cineasta. Y que esto ocurra con mi ópera prima –fue el film con que egresé de la escuela de cine– fue un gran anhelo, aunque también una utopía. Por eso, cuando se hizo realidad, nos quedamos paralizados. Los diez días en Cannes pasaron volando y, naturalmente, fueron muy intensos.

DT: ¿Por qué decidió hacer un film de estas características?

Koch: La finalidad podría resumirse como crítica social. Este tema lo abordó un exministro de Justicia alemán, Gustav Radbruch. Él decía: no necesitamos mejores cárceles, necesitamos algo mejor que cárceles. Con el film, se trató de mostrar que este sistema está en decadencia y que simplemente no funciona. Hay un porcentaje de 80% de casos de reincidencia, reaparecen casos de torturas. En las cárceles alemanas cada tres días muere alguien. Estas son las situaciones actuales y la sociedad mira para otro lado. Por eso, quiero llamar la atención y casi obligar a los espectadores a que lo vean. Hacia el final del film, hay una provocación directa y literal.

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“Menschlicher Film in Komödienverpackung”

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Ralf Hüttner spricht über sein Roadmovie “Vincent will Meer”

Von Flora Roenneberg

Eigentlich wollte der deutsche Regisseur Ralf Hüttner Bildhauer werden, dann kamen ihm jedoch ein Maulwurf, ein Zirkushase und ein Friseurtermin dazwischen. Als Hüttner während seiner Bildhauerausbildung in München als Schauspieler jobbte und sich zufällig in einer WG die Haare schneiden ließ, kam alles anders. Dort begegnete er einem Abgänger der Filmhochschule, den er mit seiner Idee für ein Kinderbuch über die Freundschaft eines Maulwurfs und eines Hasen begeistern konnte. Mit bunten Zeichnungen und dem Glauben an sein Bilderbuch verkaufte Hüttner seine erste Idee. Nun zeigt der erfolgreiche Regisseur seinen jüngsten Film “Vincent will Meer” beim 10. Deutschen Kinofestival in Buenos Aires.

FR: Was bedeutet es für Sie, an diesem Festival teilzunehmen?

Hüttner: Ich freue mich, dass der Film internationale Annerkennung gewonnen hat und im Ausland gut verstanden wird. Es ist selten, dass deutsche Filme, wenn sie nicht über Nazis oder die DDR gehen, im Ausland ein derartiges Interesse wecken. Allerdings geht es in dem Film um internationale Themen wie Außenseiter, Krankheiten und persönliche Probleme – und irgendwie kennen wir das ja alle.

FR: Sie gelten als überaus vielseitiger Regisseur, bekannt durch sowohl Politsatiren, Beziehungskomödien und Thriller – und nun “Vincent will Meer”. Was bewegte Sie dazu, diesen Film zu drehen?

Hüttner: Vielseitig stimmt, jedoch geht es mir eigentlich immer nur um Menschen, egal ob sie in Thrillern oder bei “Vincent will Meer” mitspielen. Insofern ist dieser Film kein Ausreißer, sondern einfach nur ein sehr menschlicher Film in einer Komödie verpackt. Er zeigt die Versöhnung und Entwicklung von drei Außenseitern mit Handicaps. Diese werden in meinem Film nicht geheilt, sondern lernen sich anders zu ihren Krankheiten zu stellen. Das ist es, was mich an dem Film gereizt und begeistert hat. Ich wollte genau diese kleine Entwicklung der Charaktere zeigen, da ich glaube, dass jeder von uns sich irgendwo behindert fühlt, und seine Probleme mit sich trägt. So stellt dieser Film für mich den Umgang jedes einzelnen Charakters mit sich selbst dar. Demnach finden alle Figuren ein bisschen mehr zu sich und gehen gleichzeitig auf ihre Mitmenschen zu. Diese Entwicklung von Beziehungen und Selbstreflektion berührten mich und genau das fand ich filmisch sehr interessant darzustellen.

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“Una película humana en envase de comedia”

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Ralf Hüttner habla sobre su roadmovie “Vincent quiere a mar”

Por Flora Roenneberg

En realidad, el director alemán Ralf Hüttner quería ser escultor, pero después se le cruzaron en el medio un topo, un conejo y una cita con el peluquero. Mientras Hüttner trabajaba como actor durante su formación de escultor en Munich, un día se cortó el pelo en su vivienda y todo cambió. Allí se encontró con un egresado de la escuela de cine al que pudo convencer con su idea de hacer un libro infantil sobre la amistad entre un topo y un conejo. Con dibujos coloridos y fe en su libro ilustrado, Hüttner vendió su primera idea. Y ahora el exitoso director trae su nuevo film “Vincent quiere a mar” a la décima edición del Festival de Cine Alemán.

FR: ¿Qué significa para Usted participar de este Festival?

Hüttner: Me alegra que el film tenga reconocimiento internacional y que sea bien recibido en el extranjero. Es difícil que despierten interés en el exterior películas alemanas que no hablen del nazismo o la RDA. En este film, se tocan temas internacionales, como los outsiders, las enfermedades y los problemas personales. En fin, temas que todos conocemos.

FR: Usted es considerado especialmente por ser un director variado, conocido por sus policiales satíricos, las comedias románticas y algunos thrillers –y ahora “Vincent quiere a mar”–. ¿Qué lo llevó a rodar esta película?

Hüttner: Es cierto que soy variado, aunque para mí tiene que ver más con lo humano, aparezca esto en un thriller o en “Vincent quiere a mar”. En este punto, la película no es una escapada, sino más bien un film muy humano envasado en una comedia. Muestra la hermandad y la evolución de tres outsiders con ciertos problemas de salud. Ellos no se recuperan en mi film, pero aprenden a sobrellevar sus enfermedades de otra manera. Esto lo que me inspiró para filmar el largometraje. Quería mostrar precisamente la pequeña evolución de los personajes, porque creo que todos se sienten inválidos en algún punto y cargan con sus problemas. Por eso, esta película representa para mí la forma en que se tratan los personajes. Por consiguiente, todas las situaciones son reconocibles y, al mismo tiempo, se dirigen a sus prójimos. La evolución de las relaciones y las reflexiones personales me conmueven y eso me parece interesante para representar en el cine.

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“Unsere Herzen sind nicht so unterschiedlich”

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Feo Aladag über ihren Film “Die Fremde”

Von Dilay Türk

“Die Fremde” – so heißt der Eröffnungsfilm des diesjährigen Deutschen Kinofestivals in Buenos Aires. Das Drama erzählt die Geschichte von Umay, einer jungen Mutter türkischer Abstammung, die aus ihrer unglücklichen Ehe flüchtet und dabei auf Unverständnis und Ablehnung bei ihrer Familie stößt. Das großartige Spiel der jungen Sibel Kekilli berührt den Zuschauer emotional zutiefst und regt das Publikum auf erbarmungslose Weise zum Nachdenken an. Feo Aladag hat das Drehbuch geschrieben, den Film produziert und Regie geführt. Dass sie mit ihrem Erstlingsfilm so viel Erfolg auf zahlreichen internationalen Filmfestivals haben würde, hat sich die in Berlin lebende Österreicherin nicht träumen lassen. Im Interview erzählt sie von den Hintergründen ihres Werkes.

DT: Gratulation! Nach zahlreichen internationalen Auszeichnungen startet “Die Fremde” nun als deutscher Beitrag für den besten nicht englischsprachigen Film bei den Oscars ins Rennen. Wo haben Sie von dieser großartigen Nachricht erfahren und wie fühlt es sich an?

Aladag: Freitag Abend war ich für ein Familienfest in Coburg, 150 Familienmitglieder und auch meine Eltern aus Wien waren da. Als der Anruf kam, war ich im Hotel und habe vor Freude erst mal laut ins Telefon geschrien. Es war sehr schön, diese erfreuliche Nachricht mit all meinen Angehörigen, die ich so lange nicht gesehen hatte, zu feiern! Es ist eine ganz große Ehre für mich. Wenn man so einen Film in der Triple Funktion Drehbuch, Regie, Produktion macht, ist man so in seine Arbeit vertieft und konzentriert, dass man nicht darüber nachdenkt, was man mit dem Film erreicht. Jetzt erst wird mir so langsam bewusst, was für einen Weg dieser ursprünglich eigentlich kleine Film geht, und welche Türen sich öffnen. Es ist natürlich unheimlich befriedigend, einfach toll!

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“Nuestros corazones no son tan distintos”

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Feo Aladag habla sobre su film “La extraña”

Por Dilay Türk

“La extraña” se llama el film que abrirá el Festival de Cine Alemán de este año. El drama cuenta la historia de Umay, una joven de origen turco, que escapa de su infeliz matrimonio y que recibe la incomprensión y el rechazo de su familia. La gran actuación de Sibel Kekilli toca tan hondo en la sensibilidad del espectador que hace reflexionar sin compasión al público. Feo Aladag escribió el guión, produjo el film y lo dirigió. La cineasta austríaca, que ahora vive en Berlín, no había soñado con tener tanto éxito en numerosos festivales internacionales con su ópera prima. En la entrevista, nos habla sobre el trasfondo de su obra.

DT: ¡Felicitaciones! Después de numerosas premiaciones internacionales, “La extraña” está ahora en carrera al Oscar como mejor película extranjera. ¿Cómo vivió y qué sensaciones le genera esta nominación?

Aladag: Era viernes a la noche y estaba en un festejo familiar en Coburg, había 150 parientes y mis padres que venían de Viena también estaban allí. Cuando me llamaron, estaba en el Hotel y grité de alegría por teléfono. Fue muy lindo poder celebrar esa noticia tan importante con toda mi familia, que hace mucho tiempo no veía. Es un gran orgullo para mí. Cuando uno realiza un film en sus tres tareas, guión, dirección, producción, es una labor muy intensa y uno le dedica mucho tiempo, sin saber cuál va a ser el resultado. De a poco caigo en el camino que recorrió originalmente ese primer pequeño film y qué puertas me abrió. ¡Es extraordinario!

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