Calidad y originalidad (1995)

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Luis Niveiro expone objetos satíricos y graciosos en Atica

Por Susanne Franz

El 2 de mayo la Galería Atica festejó sus 30 años de vida con la inauguración de una singular muestra de objetos de Luis Niveiro. El espacio de arte demostró otra vez más su habilidad de combinar de manera elegante calidad y originalidad.

Hasta el 27 de mayo Atica se ha transformado en una suerte de casa de muñecas. Visitarla es una experiencia enriquecedora, atrapante y sumamente entretenida. El artista Luis Niveiro se ha entregado a la sátira y ha elegido como personaje central de su mensaje artístico a Pinocho, símbolo de lo mentiroso y la ingenuidad. Con ese muñeco, Niveiro ironiza sobre la “condición argentina”, algunas veces con ternura, otras veces rozando la burla. Sus cajas/objetos -escenografías que están en parte acompañadas de cortos textos ilustrativos- son sarcásticos, pero al mismo tiempo nos desarman por su simpleza. Niveiro usa adrede ese contraste entre mensaje y forma y “traduce” de esa manera la sátira de la palabra a las artes plásticas. Esta es una exposición muy lograda que ya se transformó en todo un éxito: vale la pena visitarla.

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Gebändigte Formen (1995)

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Ana Lizasos Skulpturen verbinden Leidenschaft mit kühler Präzision

Von Susanne Franz

Seit dem 3. und bis zum 29. April stellt die Bildhauerin Ana Lizaso ihre Werke der letzten 1 1/2 Jahre in der Galerie Atica aus. Im Patio-ähnlichen Gang zur im Erdgeschoss gelegenen Galerie befinden sich zwei Skulpturen in dezenten Grau- und Grüntönen; in der Galerie selbst beherrschen zwei große Werke den Hauptraum (klares Gelb und Blau), eine allein, blendend rot-orange, einen Nebenraum, und im Eingangsbereich sind kleinere Skulpturen auf einem Podest zur Schau gestellt. Perfektion herrscht in diesen Werken vor – glatte Flächen, starke Farben, Verstrebungen und Scharniere, die der “Leere” ebenso bedeutenden Raum abgewinnen, wie ihn die Eisenplatten, die die Flächen bilden, schaffen.

Auch im Ausstellungsaufbau scheint die gleiche Disziplin durch, bis hinein in die Beleuchtung, die von Ernesto Diz entworfen wurde. Trotz der augenscheinlichen Klarheit und Entschlossenheit, die die Skulpturen Lizasos ausstrahlen, kommt in ihnen eine Spannung zum Ausdruck, die verborgene Leidenschaft verrät, eine Sehnsucht, sich aus Fesseln und von Hemmnissen zu befreien.

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Formas contenidas (1995)

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Las esculturas de Ana Lizaso combinan pasión y precisión

Por Susanne Franz

Desde el 3 y hasta el 29 de abril, la escultora Ana Lizaso expone sus obras del último año y medio en la Galería Atica. Ya en el pasillo con aire de patio que lleva a la galería situada en planta baja, hay dos esculturas en gris y verde tenues. Adentro, dos obras grandes dominan la sala principal, en amarillo y azul. Hay una sola obra -naranja-rojo shocking- en la salita al lado. En la entrada se encuentran varias esculturas más chicas arriba de una tarima. Hay perfección por donde se mire: en las superficies lisas, los colores fuertes, los puntales y bisagras. El “vacío” parece tener gran importancia, al igual que el espacio formado por las planchas de hierro que constituyen los planos.

La misma precisión se nota en el montaje de la muestra, hasta en la iluminación creada por Ernesto Diz. Pero aunque las obras de Ana Lizaso emanen tanta claridad y decisión, también poseen una peculiar tensión que delata una pasión secreta, un anhelo de liberarse de las cadenas y los obstáculos.

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Die unerträgliche Virtualität des Seins (1995)

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Leandro Berras “Virtual Piano-Bidimensional” im Goethe-Institut: ein Beispiel für sein künstlerisches Konzept

Von Susanne Franz

Leandro Berra wurde 1956 in Buenos Aires geboren und lebt seit 1981 in Paris. Der Künstler gibt seiner Heimatstadt die leider seltene Ehre eines Besuchs – wenn auch nur im übertragenen Sinne, mit einem Kunstwerk, einer Installation, die unter dem Titel “Virtual Piano-Bidimensional” im Auditorium des Goethe-Instituts zur Aufführung kommt.

Zu dieser Gelegenheit hier etwas Hintergrundinformation über diesen viel zu wenig bekannten, exzellenten Künstler, an dessen letzte große Ausstellung im Centro Cultural Recoleta, “El otro el mismo”, im Mai 1993 sich vielleicht einige Kunstfreunde noch erinnern. Sechs Werke, die auch dort zu sehen waren, zeigt das Goethe-Institut im Foyer des Auditoriums, jeweils eine Stunde vor Vorstellungsbeginn (nächste Woche noch Montag und Dienstag, 20 Uhr). Anhand dieser Stücke und seiner Musik-Installation kann man exemplarisch Berras künstlerisches Konzept ablesen, bei dem das Thema der Zeit eine zentrale Rolle spielt.

“Die Formen der Kunst unterscheiden sich nicht nur in ihrer Technik voneinander”, jede von ihnen erzähle auf eine andere Art und Weise vom Problem der Zeit – so begann Leandro Berra vor einigen Monaten in einem Interview, seine Ideen zu erläutern. Auf die Frage, warum er Elemente wie Fotografie und Skulptur mische, erwähnt er Walter Benjamins Beschreibung des Ursprungs der Kunst, der ihr einen rituellen und einen “exhibitionistischen” Wert zuweist. Von diesen Wurzeln, meint Berra, sei heute nur der letztere, der publikumswirksame Aspekt geblieben.

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La insoportable virtualidad del ser (1995)

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La instalación “Virtual Piano-Bidimensional” de Leandro Berra en el Goethe-Institut: un ejemplo de su concepto artístico

Por Susanne Franz

Leandro Berra nació en Buenos Aires en 1956 y desde 1981 vive en París. Viene poco a visitar su ciudad natal, tampoco está en estos días cuando se presenta su obra “Virtual Piano-Bidimensional” en el auditorio del Goethe.

Vale la pena aprovechar este acontecimiento para dar un poco de información sobre este excelente artista que merecería ser más conocido. Quizás algunos se acuerden de su última gran exposición, “El otro el mismo”, en el Centro Cultural Recoleta en mayo de 1993. En el foyer del Goethe estarán expuestas seis de las obras que también estaban en aquella muestra; se podrán ver una hora antes del comienzo de la pieza (lunes y martes de la semana que viene, a las 20 horas). Estos trabajos y la instalación sonora dan una buena idea sobre el concepto artístico de Berra, en el cual el tiempo juega un papel clave.

“La formas del arte no se diferencian solo por sus técnicas: cada una aborda de modo diferente el problema del tiempo”, así empezó a explicar Berra sus ideas en una entrevista hace algunos meses. ¿Por qué mezcla elementos como la fotografía y la escultura? Berra menciona a Walter Benjamín, quien dio al arte un valor “ritual” y otro “exhibicionista”. De estas raíces, dice Berra, ha quedado solo este segundo aspecto mencionado: el fin de causar un efecto en el público.

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Einheit von Gefühl und Verstand (1994)

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Gabriela Aberastury präsentiert in der OEA ihre Ausstellung “Corazón pensante”

Von Susanne Franz

Seit dem 6. Oktober, und bis zum 4. November, ist die Ausstellung “Corazón pensante” der Künstlerin Gabriela Aberastury im “Espacio Cultural” der OEA zu sehen. Die Künstlerin präsentiert eine exzellente Auswahl neuerer Werke der verschiedensten Techniken – Zeichnungen, Druckgraphiken und Mischtechniken, und im oberen Stockwerk der Ausstellungsräume werden eine Reihe früherer Werke (sogar aus der Kindheit) sowie eine Auswahl ihrer Arbeit für die Bibliophilen gezeigt, darunter das aktuellste Projekt, die Arbeit an einer aufwendigen Cortázar-Ausgabe.

Gabriela Aberastury befindet sich nach ihren eigenen Worten in ihrer momentan freiesten Schaffensphase. Nachdem sie über Jahre hinweg nicht gemalt hat, arbeitet sie jetzt in einigen ihrer Mischtechnik-Gemälde zu 80% mit Öl. Gleichzeitig hat sie ihre hervorragenden Zeichnungen und Drucke der “unmöglichen Konstruktionen” zur Perfektion gebracht. Momentan kann sie einfach “alles gleichzeitig” machen. Und sie macht es gut!

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Unión del sentimiento y la razón (1994)

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Gabriela Aberastury presenta su muestra “Corazón pensante” en la OEA

Por Susanne Franz

Desde el 6 de octubre y hasta el 4 de noviembre se puede visitar la muestra “Corazón pensante” de la artista argentina Gabriela Aberastury en el “Espacio Cultural” de la OEA. Aberastury presenta una exquisita selección de sus obras recientes en diferentes técnicas: dibujos, grabados y técnicas mixtas. En el primer piso se exponen obras más antiguas (incluso de la infancia) y algunas de sus obras para bibliófilos, entre ellas el proyecto más reciente: un trabajo para una elaborada edición de Cortázar.

Según cuenta Gabriela, este es el momento de su vida en el que siente mayor libertad de creación. Durante años no estuvo pintando, y ahora algunas de sus técnicas mixtas están en un 80 por ciento elaboradas en óleo. Al mismo tiempo ha perfeccionado los dibujos y grabados de sus “Construcciones Imposibles”. Es que en estos días le sale todo, y todo al mismo tiempo. ¡Y qué bien lo hace!

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Rosario holt Klemm aus der Vergessenheit

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Ausstellung “El banquete telemático de la pintura: Federico Klemm”

Die beiden Ableger des “Museo Castagnino+macro” in Rosario präsentieren voller Stolz die Ausstellung “El banquete telemático de la pintura”, die dem exzentrischen Federico Klemm (1942-2002) gewidmet ist. Die Schau, die am 2. September eröffnet wurde, wird im Rahmen eines Museumsprojekts gezeigt, das um eine Wiederherstellung der Wertschätzung von Künstlern bemüht ist die in Vergessenheit geraten sind, weil ihnen in den “normalen” Kunst-Zirkeln ausgewichen oder gar Widerstand entgegengebracht wurde und wird.

Anlässlich dieser begrüßenswerten Aktion veröffentlichen wir in einem Eintrag weiter unten noch einmal den Artikel, der zum Tode von Federico Klemm erschien, und der vor kurzem Dank der Hilfe der Deutschen Botschaft in Buenos Aires auch ins Spanische übersetzt werden konnte.

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Rosario revaloriza a Klemm

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Muestra “El banquete telemático de la pintura: Federico Klemm”

Las dos sedes del Museo Castagnino+macro en Rosario presentan orgullosas la muestra “El banquete telemático de la pintura” dedicada al excéntrico Federico Klemm. La exposición, que se inauguró el 2 de septiembre, se enmarca dentro de las propuestas curatoriales del museo que apuntan a reconocer y valorizar las producciones artísticas que han sido y son actualmente resistidas y evitadas en los discursos habituales del arte.

Con motivo de la exposición, volvemos a publicar en un “post” más abajo el artículo -recientemente traducido al castellano, con la ayuda de la Embajada de Alemania en Buenos Aires- sobre la muerte de Klemm en el año 2002.

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Künstler und Kultfigur

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Mit Federico Klemm hat Argentiniens Kulturszene eine Persönlichkeit verloren

Von Susanne Franz

Buenos Aires ist ärmer geworden. Die schillerndste Persönlichkeit der Kunstszene ist am 27. November 2002 gestorben – Federico Klemm. Er war eine lebende Legende, ein Mythos, eine glitzernde Randfigur, exzentrisch und schrill, so dass viele ihn als Witzfigur abstempelten, wenn sie ihn nicht schon wegen seiner Homosexualität verachteten. Das Bild von sich selbst, das er nach außen projizierte, hatte mit dem wirklichen Federico Klemm nicht viel zu tun, wohl diente es dazu, seine Verletzlichkeit zu überdecken. Der Tod hat ihn besiegt, aber zu seinen Lebzeiten war er ein Kämpfer in eigener Sache und hat die Gerüchte und Bösartigkeiten, die oft über ihn verbreitet wurden, eher noch genährt. Ein gefährliches Spiel, das die öffentliche Person Klemm, der sicher auch aus Eitelkeit das Licht der Kameras suchte, und die private Person Klemm miteinander spielten.

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Artista e ídolo

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Con Federico Klemm, la escena cultural argentina ha perdido una personalidad

Por Susanne Franz

Buenos Aires ha tenido una gran pérdida. La personalidad más cambiante de la escena artística, Federico Klemm, ha fallecido el 27 de Noviembre de 2002. Era una leyenda viviente, un mito, una figura marginal resplandeciente, excéntrica y estridente, de manera que muchos lo tildaron de hazmerreír, cuando no lo despreciaban ya por su homosexualidad. La imagen de sí mismo que él proyectaba hacia afuera no tenía demasiado que ver con el verdadero Federico Klemm, sino que más bien servía para ocultar su vulnerabilidad. La muerte lo venció, pero, en vida fue un luchador en su propio interés, alimentando incluso los rumores y maldades que, con frecuencia, se divulgaban sobre él. Un juego peligroso que se establecía entre Klemm como persona pública, quien seguramente, incluso, buscaba la luz de las cámaras por vanidad, y Klemm como persona privada.

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