Ética y estética de la producción

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Ana Lía Werthein expone en el Centro Cultural Recoleta

Por Susanne Franz
Traducción por Ana Friedländer

¿Alguna vez alguien se preguntó qué son esas bolsas blancas que se ven acostadas sobre la tierra al costado de los campos? Las llamadas silobolsas, que se asemejan a monstruosas serpientes marinas albinas, fueron la respuesta creativa a las catastróficas inundaciones del 2007 que castigaron a los agricultores. Un tal Zacarías Klas las había inventado anteriormente y su utilidad para los agricultores fue comprobada cuando los camiones dejaron de pasar a recoger las cosechas. Toneladas de valiosos granos fueron protegidos de la humedad y de las variaciones de la temperatura al ser almacenados en estas bolsas por largos períodos de tiempo. El Sr Klas actualmente preside una pujante empresa de producción de silobolsas.

Ahora se puede ver de cerca un ejemplar de estos tubos gigantes: La artista argentina Ana Lía Werthein colocó este “monstruo” como núcleo de su exposición “Hacia una poética de la producción” en el Centro Cultural Recoleta. El enorme tubo blanco de aproximadamente 1,50 m de altura rellenado de telgopor con la ayuda de varios colaboradores, descansa majestuosamente en la sala “C” del Centro.

Ana Lía Werthein intervino el plástico ultra-resistente con serigrafías. A través de vistas aéreas de paisajes rurales, tractores y otras máquinas agrícolas, satélites climáticos e impresiones digitales, nos muestra las novedades tecnológicas que han revolucionado el agro en la última década. Tampoco falta el pequeño gaucho montado en su caballo. Mientras que en sus trabajos se despliegan toda la precisión y claridad intelectual de la ilustrada historiadora de arte y psicoanalista, también se siente la calidez y la pasión que la argentina siente por la agricultura, ella misma maneja una estancia. Y -como demuestra el gaucho- no carece de sentido del humor.

Además de la silobolsa intervenida, la muestra comprende pinturas, fotografías, esculturas, caligrafías y un video de la multifacética Werthein. Lo que más impresiona al observador, que ya conoce hace tiempo el trabajo de la renombrada artista, son la nuevas pinturas del 2012 – la serie “Traslados” que para Werthein representa “un homenaje a la moderna logística en la agricultura”. En esta serie retrata camiones y trenes antiguos, instalaciones modernas de silos o también trabajadores, a menudo sin rostro. “No quiero mostrar ningún individuo, sino una persona que representa a cualquier otro o a cada uno de nosotros”, explica la artista.

Las imágenes se basean en fotografías tomadas por ella misma que proyecta sobre una tela. Después dibuja los contornos y alcanza por medio de la pintura que la obra parezca una mezcla de un negativo colorido y un cuadro de De Chirico. “Las técnicas de mis trabajos deben tornarse evidentes”, dice Werthein. También en sus fotografías debe notarse inmediatamente que son construcciones creadas digitalmente y retrabajadas con Photoshop. En la serie “Realismo mágico” la artista mezcla de manera inquietante elementos de sus propias pinturas y fotos otorgando a sus obras colores fantasmagóricos, de modo que apenas puede decirse donde termina la naturaleza y comienza la técnica. ¿Estas obras son “bellas” o “terroríficas”? Werthein se rie: “Así es la naturaleza: hermosa y despiadada”.

De la misma forma como revela su proceso creativo, desea también mostrar como funciona la agricultura moderna. Sus obras pretenden ser un homenaje a la revolución tecnológica que depende del ilimitado genio inventivo del ser humano. Y un homenaje a todos aquellos que trabajan en el campo -al deseo creativo subyacente en este trabajo- que es mucho más que un negocio: es la base de alimentación de la humanidad.

Ana Lía Werthein, la estanciera, la artista, quiere devolver la dignidad y la estima al proceso productivo, que no obtiene de los gobernantes de su propio país. A través de su testimonio artístico levanta los aspectos éticos y estéticos de la producción agrícola de una manera original. Su muestra en el agradable Centro Cultural Recoleta es un imperdible de este verano.

• Ana Lía Werthein, “Hacia una poética de la producción”.
• Curador: Rodrigo Alonso.
• Centro Cultural Recoleta, Sala “C”, Junín 1930, Buenos Aires.
• Mar-Vie 14-21, Sáb, Dom y feriados 12-21 hs.
• 30.11.-10.02.

Von Fehmarn in die Pampa

Die argentinische Künstlerin María Elena Mackeprang und ihre Vorfahren

Von Marcus Christoph

Starke Blautöne: Meer, Küste, weiter Horizont, dazu noch einige Boote. Die Bilder könnten eigentlich die Ostseeinsel Fehmarn darstellen, denke ich, der ich mehrere Jahre als Lokalredakteur beim Fehmarnschen Tageblatt gearbeitet habe. Ich bin auf der Kunstmesse EGGO im Kulturzentrum Recoleta von Buenos Aires, wo rund 300 argentinische Künstler an die 1000 Werke präsentieren. Ich schlendere durch den Ausstellungsraum einer Künstlergruppe aus der Kleinstadt Coronel Suárez im Süden der Provinz Buenos Aires, als die erwähnten Exponate, die mich so sehr an meine Heimatregion an der Ostsee erinnern, meinen Blick fesseln.

Ich traue meinen Augen kaum, als ich auf der Infotafel neben den Bildern auch noch einen Namen lese, der wie nur wenige andere mit Fehmarn verbunden wird: Mackeprang, María Elena Mackeprang, so heißt die Malerin, von der die maritimen Pinselstriche stammen. Wie kann das sein? Schließlich sind die Ostseeinsel und die Kleinstadt Coronel Suárez im Süden der Provinz Buenos Aires bestimmt 12.000 Kilometer voneinander entfernt. Wie groß kann der Zufall sein? Viele Verbindungslinien hätte man ja eigentlich nicht erwarten dürfen. Ich habe mir jedenfalls vorgenommen, die Frage zu klären, wie der klassische Fehmarn-Name Mackeprang in die argentinische Pampa gekommen ist. Letzteres ist übrigens nicht abwertend gemeint, sondern bezeichnet die Grassteppe am Río de la Plata.

Der Kontakt ist relativ leicht hergestellt. Auf der Kunstmesse erhalte ich von der Künstlergruppe “Isidoro Espacio de Arte” die nötigen Daten. Und gleich in der ersten E-Mail bestätigt María Elena meine Ahnung: Ihre Vorfahren stammen ursprünglich von Fehmarn. Das ist für mich spannend genug. Ich beschließe, mit dem Nachtbus von Buenos Aires ins 450 Kilometer entfernte Coronel Suárez zu fahren, eine Kleinstadt mit rund 40.000 Einwohnern, bekannt für seine exzellenten Polo-Spieler und mehrere Kolonien von Wolgadeutschen – aber das sind andere Geschichten.

Die Gegend ist von der Landwirtschaft geprägt. Flaches Weide- und Ackerland, weit hinten im Westen erhebt sich am Horizont die Bergsilhouette der Sierra de la Ventana. Der Ort selber ist wie viele andere Städte in Argentinien schachbrettartig angelegt. Im Zentrum ein großer parkähnlicher Platz, an dem sich auch die wichtigsten Gebäude wie Kirche, Rathaus und Geschäfte befinden.

Nicht weit davon entfernt befindet sich das Künstlerhaus “Isidoro”, benannt nach Manuel Isidoro Suárez, dem Freiheitskämpfer und Namensgeber der Stadt. Die Einrichtung wurde vor vier Jahren von der Malerin Sonia Gómez de Carrique ins Leben gerufen und bietet Künstlern aus der Region Gelegenheit, ihre Werke auszustellen. Unter ihnen auch María Elena Mackeprang.

In einem Raum voller Bilder sitzt mir die 68-Jährige bei einer Tasse Kaffee gegenüber. Voller Neugierde möchte ich nun die Frage klären, wie die Mackeprangs bis nach Argentinien gekommen sind. “Ja, es stimmt. Die Urväter sind von Fehmarn. Wehrhafte Leute, die schon im Mittelalter für die Freiheit der Insel kämpften”, erläutert die Künstlerin, die einen Stammbaum ihrer Vorfahren dabei hat. Diesen hat ihr vor einigen Jahren ihr Namensvetter Michael Mackeprang, wohnhaft in Burg auf Fehmarn, zugesandt. Ein Familienforscher, der im Jahr 2000 Kontakt zu dem Familienzweig in Argentinien aufnahm.

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Zwischen Einzeller und Universum

Das Bucerius Kunst Forum in Hamburg wagt eine Neubewertung des chilenischen Malers Matta

Von Nicole Büsing und Heiko Klaas

Seine Bilder sind raumgreifend in vielerlei Hinsicht. Zum einen bevorzugte Matta fast durchweg das große, ja das ganz große Format. Seine Gemälde sind mit Breiten von bis zu sieben Metern so groß, dass sie nur als aufgerollte Leinwände von einem Ort zum anderen transportiert werden können. Zum anderen aber konstituieren sich auf seinen Bildern Raumsichten, die weit über die gewohnten Dimensionen eines konventionellen Landschaftsgemäldes hinausreichen. Matta entwirft ins Unendliche ausgedehnte Räume, die die Bildwelten des Elektronenmikroskops mit denen des Weltraumteleskops verbinden. Vom Einzeller bis zum Universum, vereint er die unterschiedlichsten Wirklichkeitsebenen auf einer Leinwand, zusätzlich angereichert mit phantastischen und surrealen Elementen, technischen Apparaturen und Andeutungen menschlicher Figuren.

Explodierende Raumkörper, durch den Kosmos driftende Wände, Decken und Böden, bizarre Fluggeräte neben Ampullen, Retorten, Robotern und überdimensionalen Nervenzellen. Das alles vor schlammig nebulösen Hintergründen, die immer wieder von grellen, signalartigen Farbexplosionen durchstoßen werden. Mattas Bilder sind ebenso phantastisch wie apokalyptisch, ebenso visionär wie desillusionierend. Die konkreten Schrecken des Zweiten Weltkrieges und der Konzentrationslager scheinen da ebenso durch wie diffuse Horrorszenarien einer zukünftigen Welt, in der Mensch und Technik, Individuum und Maschine zu hybriden Mischwesen verschmelzen.

Der 1911 in Santiago de Chile geborene Maler, der seit seinem Umzug nach Paris mit 22 Jahren bis zu seinem Tod 2002 in Italien zum nomadisierenden Exilanten und Kosmopoliten wurde, nahm insgesamt dreimal an der documenta teil. Er stellte im New Yorker Museum of Modern Art ebenso aus wie auf der Biennale von Venedig. Sein Leben spielte sich zwischen Paris, New York und Rom ab. Längere Aufenthalte in Mexiko und Havanna kamen hinzu. Nach Chile ist der stets politisch links engagierte Künstler nach dem Militärputsch 1973 nicht mehr zurückgekehrt. Die von Naturgewalten geformten, überaus vielfältigen Landschaften seines südamerikanischen Heimatlandes zwischen Wüsten und Hochgebirge, Gletschern und Geysiren jedoch finden in seinen surrealen Panoramen ganz eindeutig ihren Niederschlag.

Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren, der sich auf Anraten seines Künstlerkollegen Salvador Dalí schlicht Matta nannte, ist in Deutschland immer noch relativ unbekannt. Das Hamburger Bucerius Kunst Forum möchte das nun ändern. Die als konzentrierte Retrospektive angelegte Schau “Matta. Fiktionen” versammelt rund 40, meist großformatige Gemälde aus allen Schaffensphasen des Künstlers. Um die suggestive Leuchtkraft und die räumliche Tiefe seiner Gemälde zu betonen, hat man sich im Bucerius Kunst Forum dazu entschlossen, Mattas Werke auf komplett schwarzen Wänden zu präsentieren. Außerdem wurden teils geschwungene Wände eingebaut, die es ermöglichen, auch die Leinwände auf nach innen gewölbten Keilrahmen zu präsentieren, was vielen Bildern eine zusätzliche Sogkraft verleiht.

Jedes seiner Werke sei “ein Fest, auf dem alle glücklichen Zufälle versammelt sind, eine Perle, die wie ein Schneeball in allen physischen und geistigen Lichtern zugleich strahlt”, sagte André Breton, der Vordenker der Surrealisten, über Matta. Zunächst begeistert von der surrealistischen Gruppe aufgenommen, distanzierte sich diese später von ihm. 1948 erfolgte der Ausschluss. Matta, der immer auch das politische Weltgeschehen, das Schicksal des Menschen und neueste naturwissenschaftliche Erkenntnisse in seinen Bildern reflektierte, hatte sich in den Augen der Surrealisten wohl zu stark von den Tiefen und Untiefen des Unbewussten und der Abstraktion entfernt. Er selbst stilisierte sich fortan zum Außenseiter. Eine Position, der er jedoch durchaus positive Aspekte abgewann: “Es gibt eine Logik des Außenseiters, des Ausgegrenzten. Er muss andere Wege erfinden, und das drängt ihn zum Abenteuer.”

• Ausstellung: “Matta. Fiktionen”
• Ort: Bucerius Kunst Forum, Hamburg
• Zeit: bis 6. Januar 2013. Täglich 11-19 Uhr. Do 11-21 Uhr
• Katalog: Hirmer Verlag, 196 S., 24,80 Euro in der Ausstellung
• Webseite

Fotos von oben nach unten:

Ausstellungsansicht “Matta. Fiktionen”.
(Foto: Ulrich Perrey)

“Théorie de l’Arbre”, 1941, Privatsammlung.

“L’Impencible”, 1957, Privatsammlung.

“Les Plaisirs de la présence”, 1984, Privatsammlung.

Ohne Titel (Les oh! Tomobiles), um 1972, Fondazione Echaurren Salaris, Rom.

Ausstellungsansicht “Matta. Fiktionen”.
(Foto: Ulrich Perrey)

Faszination des Urbanen

José Luis Anzizar in der Galerie Elsi del Río

Von Jenny Stern

Mit seiner aktuellen Ausstellung “Urban Papers” kehrt der Künstler José Luis Anzizar zum Schauplatz seiner Serie “Urban Birdwatching” von Anfang 2012 zurück. Es ist die Stadt, die den Autodidakten fesselt und seine Arbeit inspiriert und beeinflusst. Mit seinen Bildern will Anzizar seine ganz eigene Perspektive der Stadt auffangen und ihren Ruf als dunklen, grauen und geradlinigen Raum aufbessern. Hierzu hebt er die Vielfältigkeit der Formen, Farben und Materialien hervor, die sich in ihr aufspüren lassen. Seien es die Verzweigungen an dem Ast eines Baumes, farbige Verkehrsschilder oder interessante Graffiti auf einer grauen, dreckigen Hauswand: die Vorstellungskraft Anzizars kennt keine Grenzen, wenn es um den urbanen Raum geht.

Für Anzizar ist die Stadt ein Ort voller Leben und Ästhetik, er sieht ihre Bewohner, das Chaos, die Bewegung. Seine Bilder erinnern an Städte, wie man sie aus Flugzeugen von oben betrachten kann oder an Stadtpläne, von denen Anzizar seit jeher fasziniert ist, wie er sagt. Jedes seiner Bilder orientiert sich an einer Linie, um die alle weiteren Elemente angeordnet sind. Vor allem im lateinamerikanischen Kontext, wo die Straßen seit der Kolonialzeit im Schachbrettmuster angeordnet sind, kann diese Linearität sofort mit dem städtischen Ambiente assoziiert werden. Eines der Bilder zeigt zwei parallele Hauptachsen, von denen unzählige Weitere abzweigen, bis sie zusammenkommen, sich überschneiden und überlappen. Für dieses Arrangement ließ sich der Künstler von den Rollbahnen und Gebäuden eines Flughafens inspirieren – und tatsächlich lassen sich kleine Flugzeuge ausmachen, die auf den Flughafen zusteuern oder sich davon entfernen.

Anzizar kreiert in “Urban Papers” Collagen aus Papier, das er in die unterschiedlichsten Muster zurechtschneidet und dann aufeinanderklebt. Den Begriff “Collage” versucht der Künstler aber zu vermeiden; er würde seine Bilder limitieren, erklärt er. Vielmehr fühle er sich der Malerei zugehörig, für ihn stellt das Papier nichts anderes als die Leinwand eines Malers und die Schere dessen Pinsel dar. In “Urban Papers” findet sich Papier in allen nur vorstellbaren Farben, Formen und Beschaffenheiten. Es überwiegen orange, rosa, pinke und rote Töne mit vielen blauen Akzenten.

Wann immer der Künstler auf interessantes Material stößt, schneidet er es aus und sammelt es für seine Werke; er entnimmt es aus Zeitschriften, Zeitungen oder Broschüren. Anders als in der Vorgängerserie “Urban Birdwatching” wurden die Arrangements des aktuellen Werkes lediglich auf einfaches weißes Hintergrundpapier geklebt, die verwendete Technik bleibt aber dieselbe. “Die Entscheidung für den Hintergrund war reine Gefühlssache, eine richtige Erklärung dafür gibt es eigentlich gar nicht”, gesteht Anzizar schmunzelnd ein. Eben dieses experimentelle und spontane Schaffen des Künstlers machen auch den Wert seiner Arbeit aus.

Anzizar möchte sich von den konzeptionellen Künstlern abheben und freie, unabhängige Kunst schaffen. Da überrascht es kaum, dass er bei dem Gespräch in der Galerie plötzlich und ohne sie vorher aufzuzeichen, Muster aus einem Blatt Papier schneidet und ganz spontan ein kleines neues Kunstwerk schafft. Anzizar schmeißt selten die Schnipsel und Reste weg, sie seien die eigentlich interessanten Bestandteile seiner Bilder, weil sie viel unbewusster entstehen würden. Ihm gefällt es, zu experimentieren und seinen emotionalen Impulsen zu folgen, ohne zwanghaft viel nachdenken und Konzepte entwerfen zu müssen.

Nachdem er seine Papiermuster zurechtgeschnitten hat, ordnet er sie an, so dass sie sich überlagern oder ineinander übergehen. An manchen Stellen verwendet er dann weniger Klebstoff und spielt mit den Schatten, die das abstehende Papier wirft. Diese Technik intensiviert die Idee der Bewegung im urbanen Umfeld, die der Künstler schaffen möchte. Für ihn entspricht der Schnitt der Schere dem Bild in der Malerei. Ebenso wie der Maler, der malt und das Gemalte übermalt, klebt und überklebt Anzizar seine Papiere so lange, bis es ihm gefällt. “Es ist wie in der Malerei. Es sind Dinge, die erst entstehen, während sie geschaffen werden. Dabei spiele ich mit Versuch und Irrtum. Und auch Zufall”, so Anzizar. Waren in “Urban Birdwatching” noch die Vögel die Protagonisten des Werkes, so sind es diesmal der Schnitt der Schere und die Formen, die dabei entstehen.

Die Motive und Muster aus “Urban Papers” sollen auch in der Kollektion des gerühmten argentinischen Designers Martín Churba für 2014 verwendet werden. Anzizar und Churba wollen in ihrem gemeinsamen Projekt für dessen Modelabel “Tramando” Kleidung anbieten, die sich der Käufer nach individuellen Wünschen gestalten und bedrucken lassen kann. Außerdem wird Anzizar im Jahr 2014 ein Projekt in den Räumen des Kulturzentrums der Fundación Osde ausstellen. Ob es dabei wieder um den urbanen Raum gehen wird, steht noch offen. Dass Anzizar erneut mit Papier als Material arbeiten wird, bezweifelt er aber nicht. Am Ende des Besuchs in der Galerie Elsi del Río bleibt das Gefühl, sich in die überfüllten Straßen der Großstadt werfen zu müssen, um ihre einmalige Schönheit wiederzuentdecken.

“Urban Papers” ist nur nur noch bis Ende Dezember 2012 in der Galerie Elsi del Río, Humboldt 1510, Buenos Aires, zu sehen; dienstags bis freitags 14-20 Uhr, samstags 11-15 Uhr.

Multitasking im 17. Jahrhundert

Große Rubens-Schau im Wuppertaler Von der Heydt-Museum

Von Nicole Büsing und Heiko Klaas

Während er ausnahmsweise einmal nicht auf Reisen war und in seinem Antwerpener Atelier voller Inbrunst und Hingabe an einem Gemälde arbeitete, ließ sich Peter Paul Rubens von einem Assistenten aus Tacitus vorlesen. Einem anderen Assistenten diktierte er gleichzeitig einen Brief, und ganz nebenbei hatte er auch noch die Zeit und Muße, einem Besucher Rede und Antwort zu stehen. Von dieser ganz erstaunlichen Mehrfachbegabung berichtet jedenfalls ein zeitgenössischer dänischer Arzt, der das Glück hatte, das wohl wichtigste Malergenie des 17. Jahrhunderts höchstpersönlich erleben zu dürfen, in seinen Briefen.

Dass der 1577 im südwestfälischen Siegen geborene Peter Paul Rubens weit mehr war als der Maler üppiger, barocker Frauengestalten und verklärender Heiligendarstellungen, stellt jetzt eine opulent ausgestattete Ausstellung im Wuppertaler Von der Heydt-Museum unter Beweis. Anhand von rund 40 eigenhändigen Rubens-Werken, die um zahlreiche Arbeiten aus der Werkstatt und dem künstlerischen Umfeld des Antwerpener Meisters ergänzt werden, wagt die Schau die These, dass Rubens, wäre er nicht durch seine Malerei berühmt geworden, auch als Diplomat im Dienste verschiedener europäischer Herrscherhäuser zu Ruhm und Ehre gekommen wäre. Neben vielen großformatigen Gemälden sind in der von Gerhard Finckh und Nicole Hartje-Grave kuratierten Schau auch Arbeiten auf Papier, Tapisserien, Bücher und Briefe zu sehen.

Sein Vater, ein angesehener Antwerpener Jurist, hatte seine Heimatstadt einst unter dramatischen Umständen verlassen müssen. Ihm wurde vorgeworfen, Calvinist zu sein. Ein Verdacht, der nie ganz aufgeklärt werden konnte. Peter Paul Rubens selbst, der nach dem Tod des Vaters im Alter von 22 Jahren gemeinsam mit seiner Mutter und den Geschwistern aus dem deutschen Exil nach Antwerpen zurückgekehrt war, entwickelte sich dort geradezu zu einem Propagandisten der bildgewaltigen katholischen Gegenreformation. In den großen europäischen Königsfamilien, im katholischen Klerus, aber auch in den Patriziern, Zünften, Gilden und Ratsherren seiner Heimatstadt Antwerpen fand er finanzkräftige Abnehmer, die es ihm ermöglichten, einen florierenden Atelierbetrieb mit bis zu 100 Mitarbeitern zu unterhalten.

Trotz aller künstlerischen und wirtschaftlichen Erfolge: Peter Paul Rubens lebte in bewegten und kriegerischen Zeiten. Sein Privileg, als europaweit anerkannter Künstler zwischen den verfeindeten Herrscherhäusern verkehren zu können, betrachtete er als Verpflichtung, sich für den Frieden in Europa einzusetzen. Dass seine Malerei dabei nicht als bloß illustrierendes sondern als selbstbewusst argumentierendes Medium nonverbaler Kommunikation diente, unterstreicht die Wuppertaler Schau anhand zahlreicher Beispiele. Antike und alttestamentarisch unterfütterte Allegorien auf Krieg und Frieden lieferten den Betrachtern seiner Zeit Anschauungsmaterial und Argumentionshilfen – auch zum Verständnis und zur Auflösung aktuell bestehender Konflikte. So zum Beispiel das aus dem Budapester Szépmüvészeti Múzeum stammende Gemälde “Mucius Scaevola vor Porsenna” von 1626-28. Vor der Erzählfolie einer Episode aus der römischen Geschichte zeigt Rubens, zu welchem menschlichen Unrecht irregeleiteter Zorn führen kann. Dieses und sieben weitere Gemälde im Gepäck, gelang es Rubens, den spanischen König Philipp IV. davon zu überzeugen, für ihn Friedensverhandlungen mit seinem englischen Widerpart, König Karl I., führen zu dürfen.

Die Wuppertaler Ausstellung, die ihre Materialfülle nicht zuletzt der derzeitigen Renovierung und mehrjährigen Schließung des Antwerpener Museums voor Schone Kunsten verdankt, beschränkt sich jedoch nicht nur auf Rubens’ bisher unterschätzte diplomatische Qualitäten. In insgesamt acht biografisch untermauerten Themenkreisen wird unter anderem untersucht, wie Rubens den Bilderhunger seiner ganz unterschiedlichen Auftraggeber, nämlich Kirche, Hochadel und vermögendes Bürgertum, einerseits bediente, andererseits aber stets darauf achtete, seine eigene humanistische Weltanschauung nicht zu verleugnen – und sei es in Form kleinster Nebenerzählungen, die nur wenige zeitgenössische Insider überhaupt dechiffrieren konnten.

Der Tatsache, dass Rubens’ barocke Meisterwerke von heutigen Zeitgenossen nur noch bis zu einem gewissen Grade gelesen und verstanden werden können, trägt die Wuppertaler Schau Rechnung, indem sie sowohl in den erläuternden Saaltexten als auch im wissenschaftlich hervorragend erarbeiteten Katalog das historische und geistesgeschichtliche Umfeld seiner Malerei ausführlich erläutert. Rubens selbst war es leider nicht vergönnt, den von ihm so herbeigesehnten europäischen Frieden noch zu erleben. Acht Jahre vor dem Westfälischen Friedensschluss 1648 in Münster stirbt er, von Gicht gelähmt und nur 62 Jahre alt, 1640 in seinem Haus in Antwerpen.

• Ausstellung: Peter Paul Rubens
• Ort: Von der Heydt-Museum, Wuppertal
• Zeit: bis 28.2.2013
• Katalog: 368 S., 25 Euro
• Webseite der Ausstellung
• Webseite des Museums

Fotos von oben nach unten:

Peter Paul Rubens, “Wildschweinjagd”, um 1615/16. Foto: Marseilles, Musée des Beaux-Arts.

Peter Paul Rubens, “Der hl. Franziskus empfängt das Jesukind aus den Händen der Madonna”, Öl auf Leinwand, 234 x 184 cm. Lille, Palais des Beaux-Arts.

Peter Paul Rubens, “Venus und Amor”, um 1615. Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza.

Auf Geistersuche

Fotoausstellung “Gualicho” von Mariana Bersten in San Telmo

Von Jenny Stern

Eine verlassene Lagune, ein ausgestorbenes Dorf und einsturzgefährdete Ruinen. In dieser gespenstischen Atmosphäre inszeniert Mariana Bersten ihre Fotografien, die bis zum 12. Dezember 2012 in der Ausstellung “Gualicho” im El Mirador Espacio (Brasil 301) im Buenos Aires-Stadtteil San Telmo zu bestaunen sind. Bis die Fotografin den Ort mit dieser einzigartigen Stimmung gefunden hatte, verging einige Zeit. Die Lagune Melincué, die sich im Süden der Provinz Santa Fe befindet, und ein verfallenes Hotel, das einst die Oberschicht Argentiniens frequentierte, schienen der perfekte Schauplatz für ihre Aufnahmen zu sein.

Die argentinische Künstlerin, die Fotografie und Kunst in New York studierte, möchte mit ihren Bildern eine Geschichte erzählen: Nach einer alten Legende ruhen in dem alten Hotel die Geister der ehemaligen Gäste. Heute wollen sie ein Fest feiern. Einige Fotos sind in Kleinformat zu sehen, andere wurden auf große Leinwände projiziert. Sie sind ernst und intensiv, zeigen die Silhouette des Hotels im Sonnenuntergang, festlich gekleidete Frauen, die sich im weichen Sonnenlicht auf dem kalten Stein räkeln, und melancholische Männer in vornehmen Anzügen, die Flöte spielen oder sich mit Hilfe von weißen Luftballons in die Luft erheben.

Dreimal musste die Künstlerin mit ihrem Team an den Schauplatz reisen. Mit der gesamten Vor- und Nachbereitung, den Kostümen und der Schminke für die Models, habe das Projekt mehr einer Film- als einer Fotoproduktion geglichen, so Bersten.

Informationen auf der Webseite von El Mirador Espacio.

Künstler und Kultfigur: Zum 10. Todestag von Federico Klemm

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Mit Federico Klemm hat Argentiniens Kulturszene eine Persönlichkeit verloren

Von Susanne Franz

Buenos Aires ist ärmer geworden. Die schillerndste Persönlichkeit der Kunstszene ist am 27. November 2002 gestorben – Federico Klemm. Er war eine lebende Legende, ein Mythos, eine glitzernde Randfigur, exzentrisch und schrill, so dass viele ihn als Witzfigur abstempelten, wenn sie ihn nicht schon wegen seiner Homosexualität verachteten. Das Bild von sich selbst, das er nach außen projizierte, hatte mit dem wirklichen Federico Klemm nicht viel zu tun, wohl diente es dazu, seine Verletzlichkeit zu überdecken. Der Tod hat ihn besiegt, aber zu seinen Lebzeiten war er ein Kämpfer in eigener Sache und hat die Gerüchte und Bösartigkeiten, die oft über ihn verbreitet wurden, eher noch genährt. Ein gefährliches Spiel, das die öffentliche Person Klemm, der sicher auch aus Eitelkeit das Licht der Kameras suchte, und die private Person Klemm miteinander spielten.

Die (Klatsch)Presse, deren liebstes Kind er einst gewesen ist, hat verhalten auf Federico Klemms Tod reagiert. Vielleicht ist klar geworden, dass man wenig von ihm wusste hinter der auffällig gekleideten, kunstvoll frisierten, geschminkten Oberfläche, die er zu gerne bot. Federico Klemm wurde 60 Jahre alt. Er hat alles daran gesetzt, jünger zu wirken. Seine Schönheit, die langsam verging, verewigte er in Porträts, Selbstbildnissen und Skulpturen. Junge und schöne Körper, hauptsächlich von Männern, dienten als Modelle für seine mystisch-theatralischen Gemälde. Man könnte meinen, dass Frauen für ihn in die Kategorien Göttinnen oder Heilige (u.a. in den Porträts seiner Mutter) oder Huren (wie die Verräterin Dalila in seinem letzten Zyklus, “Samson und Dalila”) fielen, jedoch wenn man ihn kannte, wusste man, dass er einen zwanglosen, sehr freundschaftlichen Umgang mit Frauen hatte und sie sehr schätzte.

Was Federico Klemm am meisten auszeichnete, waren seine Liebe zur Kunst, sein sensibles Gespür und sein universelles Wissen. Einen Teil des Vermögens, das er von seinem Vater geerbt hatte, investierte er in eine Sammlung zeitgenössischer Kunst, zu der Werke von Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Jeff Koons, Robert Rauschenberg und Sol LeWitt ebenso zählten wie Werke von de Chirico, Picasso oder Dalí, Magritte und Chagall, Max Ernst und Joseph Beuys. Auch Argentinier waren natürlich in Klemms Sammlung vertreten, darunter Xul Solar, Libero Badii, Roberto Aizenberg, Raquel Forner, Ernesto Deira, Lucio Fontana, Edgardo Giménez, Guillermo Kuitca, Raúl Lozza, Rómulo Macció und Enio Iommi.

Durch die von ihm gegründete Stiftung “Fundación Federico Jorge Klemm”, die er als Präsident leitete, förderte Klemm junge Talente. Er stellte unbekannte Künstler zusammen mit renommierten Meistern aus und eröffnete später einen zusätzlichen Raum, “Espacio Cinco”, der allein neuen Tendenzen gewidmet war und den er dem Kurator López Anaya anvertraute, der in Buenos Aires zu den einflussreichsten Streitern für die moderne Kunst zählte.

Sein Fernsehprogramm “El Banquete Telemático”, mit dem er Kunst einem Massenpublikum vermitteln wollte, nahm in den letzten Jahren viel seiner Energie in Anspruch. Er investierte weniger Zeit in sein eigenes künstlerisches Schaffen, leider, stellte aber dennoch ungefähr im Jahresrhythmus neue Arbeiten vor. Die letzte Ausstellung im April 2002 im Centro Cultural Recoleta war dem biblischen Mythos “Samson und Dalila” gewidmet, mit dem Klemm sich auseinandersetzte. Ein Teil dieser Arbeiten ist in seiner “Fundación” zu sehen, für deren Weiterbestehen er vor seinem Tod noch gesorgt hat: Er hinterließ der Akademie der Schönen Künste (Asociación Nacional de Bellas Artes, ANBA) genügend Geld, um die Verwaltung der Stiftung übernehmen zu können.

Klemm, der einen deutschen Pass hatte und fließend Deutsch sprach – obwohl dieses nach dem Tod seiner geliebten Mutter Rosa im Jahr 2000 etwas eingerostet war -, fühlte sich Zeit seines Lebens den europäischen Traditionen und Gedankengut verbunden. Als Sechsjähriger kam er nach Argentinien und war so mit dem hiesigen Kulturleben verwachsen, dass ihn niemand als Deutschen ansah. “Es ist mir immer peinlich, wenn sie mich hier fragen, was ich eigentlich gewählt habe”, gestand er einmal bei einem Gespräch bei einer Ausstellungseröffnung in der “Fundación” – zu dem er sich wie immer an einen Tisch setzen musste, denn “im Stehen kann ich kein Deutsch reden!”.

Warum in diesen letzten Tagen der Tod Federico Klemms so wenig Schlagzeilen gemacht hat, ist eigentlich kaum nachvollziehbar. Vielleicht müssen sich die argentinischen Medien erst von dem Schock erholen, eine Einordnung des Phänomens Klemm beginnen und dann Abschied von ihm nehmen.

Erschienen im “Argentinischen Tageblatt” vom 07.12.2002.

“Cada colección es como un mundo desconocido”

Entrevista con el diseñador de moda Marcelo Giacobbe

Por Paula Bonnet

Evita, pedrería bien brillante, Mar del Plata, los años cincuenta, Potsdamer Platz, estrellas de mar, un atardecer de octubre en la puerta de Brandenburgo. Las modelos del desfile de Marcelo Giacobbe se desplazan etéreas y femeninas por la pasarela de la última Buenos Aires Fashion Week (BAF). Los delicados textiles acompañan los movimientos de las caderas como si estuviesen sumergidos en el mar. Es la colección primavera/verano y es innegable que la relación entre el océano y las prendas no es casual.

Marcelo estudió diseño de indumentaria en la Universidad de Buenos Aires. En 2011 fue uno de los ganadores del concurso Semillero UBA, lo que le permitió mostrar una colección inspirada en Eva Duarte en la BAF.

En el mundo de la moda, las colecciones pueden basarse en conceptos distintos: ya sea los años ochenta, el color fucsia o las creaciones de algún diseñador colega. Marcelo Giacobbe escribe historias cada temporada: retrata momentos, épocas y personajes.

“Lo que me inspira no tiene que ver con la moda sino con eras o períodos históricos, que tiendo a abarcar en torno a una ciudad. Puede ser el pasado, pero la actualidad está siempre anclada. A nivel de las formas, me gusta el cuerpo y también como la moda los crea. Al mismo tiempo tiendo a apoyarme en la sastrería, la corsetería o prendas de ropa interior. Todo tiene que ver con un proceso interno de aprender algo sobre mí que se refleja en el trabajo. Me voy a un espacio en mi cabeza donde se encuentran todos esos elementos”, cuenta el diseñador mientras acaricia a su gata.

Giacobbe no se fija en las tendencias, sino que trata de hacer introspección e inventar su propio discurso. En su colección anterior, la de otoño/invierno 2012, se plasmó un viaje a Europa y, más precisamente, una caminata al atardecer con una amiga por la avenida Unter den Linden en Berlín. “Hablábamos de cosas que nos habían pasado en nuestras vidas y me di cuenta que a nivel visual y auditivo, más allá de la conversación que estábamos teniendo, el lugar parecía de película: un ocaso de otoño, con mucho frío. El sol caía del lado del Brandenburger Tor, se veía el cielo azul, estrellitas y el sol naranja. Son procesos míos, pero también revalorizan diferentes momentos de la historia. Puedo analizarlos con mi mirada y siento que no hay que pasarlos por alto”. También encontró una musa en la mítica Marlene Dietrich, los años cuarenta, la cámara estenopéica y los encuentros literarios de la década del treinta en Potsdamer Platz.

Para esta temporada pensó en Mar del Plata como testigo de la historia argentina. Se imaginó historias de misterio, amor o seducción en el casino: “En el pasado, Buenos Aires me sirvió como inspiración pero ahora quería tomarme una vacación de la ciudad y nada mejor que ir a la costa”. Es un lugar con muchos elementos míticos: lobos marinos, los teatros y la poeta Alfonsina Storni.

Marcelo luce joven, delgado, elegante. Habla mucho: deja bien en claro cuál es su punto de vista como diseñador, artista, hombre de negocios y técnico y se evidencia durante toda la entrevista.

¿Qué es para vos la belleza?

Pasa por un plano intimista, es lo que a cada uno le gusta de sí mismo, las particularidades, lo diferente, que alguien te guste. Es la particularidad de cada persona y la capacidad de entenderla. No hay una receta para la belleza. No es flaca y alta en todos los casos. De hecho, para mí pasa por agarrar quién sos vos y sacarle el jugo a todo tu potencial. Hay gente que uno se da cuenta que en la forma de interactuar lo hace y eso es mágico. En pocas palabras, mi definición de belleza es entender tu particularidad y encontrarle el brillito. La belleza es comprender tu historia, con lo bueno y lo malo. La vida no es color de rosa, tampoco es toda mala. Es lo que es y cada uno está atrapado en ella. Esas son las reglas del juego y la belleza tiene que ver con entenderlas.

¿Cómo empezaste a hacer vestidos de novia?

Fue un encuentro. Trabajaba para una diseñadora que hace vestidos de novia. En el 2008 se estaba por casar mi hermana y me pidió que le haga el de ella. Era una responsabilidad grande, pero lo tenía que hacer. Lo terminamos haciendo con ella y mi hermano. Habíamos trabajado con una modista que no entendía lo que queríamos. Si bien no era un diseño loco, tenía cierta técnica y no lo podían armar. Entonces lo hicimos desde cero. Lo disfrutamos un montón y en la fiesta todos se lo elogiaban. Era crema, con hilos dorados en la falda. Tenía detalles en negro y beige, los aros eran de cristal color caramelo. Lo resolvimos de una manera en la que ella se sintió cómoda y me di cuenta de que se podía hacer.

Con todas las novias con las que trabajo le digo que entre los dos hacemos algo. Les hago el vestido pero tenemos que encontrar el discurso entre los dos, porque pasa por ahí. No hay una receta. Cada persona es particular. Hasta ahora salió bien: las novias quedan re contentas y siempre me recomiendan y mandan a las amigas o vienen con sus hermanas o con la madrina.

¿Cómo hacés para reinventar el vestido de novia?

Te lo pide cada persona: hay cosas que rescatan más y otras que quieren pasar por alto. Está bueno porque es un encuentro de varias áreas mías con otra gente. No me interesa irme mucho por afuera de lo que es clásico. Pero no son básicos: la silueta, el modo de hacerlo… Tiene que ver con escuchar lo que la persona tiene para decir y ahí darse cuenta de qué puede aportar uno. Por eso digo que es un encuentro de los dos: la novia tiene que tener claro lo que quiere. El dibujo lo construimos entre los dos, yo soy el arquitecto de lo que ella tiene en la cabeza.

Estuviste en Copenhague estudiando. ¿Cómo fue esa experiencia?

Fui en el 2004. Participé de un concurso organizado por Saga, una compañía que hace tratamientos de pieles, la Asociación Argentina de Trabajadores de Cuero y Para Ti. Estuve en un pueblito a las afueras de Copenhague, en la frontera con Suecia. Fueron diez días en los que estudié el tratamiento de pieles y después cinco días en Copenhague, que me encantó. Fue una especie de laboratorio: estudié pero también trabajé. Se producen todas las muestras que después se venden a Prada, Miu Miu, Yves Saint Laurent. Fue una experiencia re linda, pero fue un quiebre en mi vida. Me di cuenta de que tenía que hacer algo, capacitarme, seguir aprendiendo.

¿Cuáles son los detalles que sentís que son característicos tuyas?

Me gusta la idea de trabajar la moldería y las distintas pieles: un vestido puede ser un abrigo, mezclar tercera piel con primera piel. Me gusta la tipología: sacos, vestidos, camisas… Mezclar los diferentes momentos de la indumentaria: gala con interior o sastrería con ropa de gala o corsetería.

¿A qué tipo de chicas apuntás?

Las clientas que tengo son de 25 años para arriba. Son estéticas, les gusta verse bien, son reales. Son mujeres que trabajan, independientes, viajan un montón: en el placard tienen ropa de distintos diseñadores y lugares. Las mujeres con las que trabajo son clásicas pero les re gusta la moda. Vestidos de corte años cincuenta pero con piedras flúo, por ejemplo. No son acartonadas: para seducir tienen que estar cómodas.

¿Qué planes tenés para el futuro?

Consolidar mi identidad, explorar lo que yo llamo “mis misterios”, lo digo de esta manera porque para mi cada colección es como abrir la puerta a un mundo que desconozco pero del cual tengo la llave y en el que me encanta zambullirme.

Fotos de arriba hacia abajo:

Marcelo Giacobbe.

Una creación de Giacobbe en el desfile en la última BAF Week.

Etéreas y femeninas: las siluetas de Marcelo Giacobbe.

Katz und Maus

Maler-Entdeckung Fabio Risso Pino stellt bei Braga Menéndez aus

Von Kirsten Mosel

Die vielen Fettnäpfchen, die die Malerei heutzutage bereitstellt zwischen den “Gos” und “No-Gos”, bedient der junge Maler Fabio Risso Pino gern: er malt Katzen, Blumen, die Menschen und Dinge, die ihn umgeben, und wieder Katzen und Blumen. Virtuose delikate figürliche Malerei, malerisch im besten Sinne und gleichzeitig einfach und direkt.

Unter dem Titel “Relicario” zeigt Risso Pino (*1981, La Plata) in der Galerie Braga Menéndez über siebzig Arbeiten aus den letzten zwei Jahren. Jede Wand beherbergt eine Zusammenstellung von kleinen und großen Bildern auf Papier und Leinwand. Fast alle Bilder sind nett gerahmt, das gibt ihnen einen wohnlichen Charakter, der direkt ins Zentrum von Risso Pinos Malerei führt: ganz nah soll der Betrachter kommen, sich annähern an diese mit Tempera ausgeführten Sujets.

Im Moment des Näher-Kommens wird man aber schon wieder abgestoßen: ein glänzender Lack liegt über den Bildern, isoliert die Malerei vom Malgrund, das Behagliche der Kätzchen und Rehlein wird gestört, der Betrachter muss neu schauen. Was erzählt uns diese naiv-kindlich anmutende Bilderwelt? Geht es da eigentlich wirklich um Haustiere und Interieurs? Warum sehen wir keine Computer, Erfrischungsgetränke und Fernseher? Der Maler treibt ein geschicktes Katz- und Mausspiel mit dem Betrachter, der sich im Moment der Verführung ertappt fühlt und umdenken muss.

Fabio Risso Pino ist eine echte Entdeckung innerhalb der jungen Maler-Szene in Buenos Aires.

• Galería Braga Menéndez
• Humboldt 1574, Palermo, Buenos Aires
• Di-Sa 13-20 Uhr
• Bis 24. November

Verzauberte Natur

Ana Eckells neue Gemälde in der Galerie Praxis

Von Susanne Franz

Ana Eckell sieht Wesen, die sonst niemand zu Gesicht bekommt. Und das, weil sie nicht hinschaut, sondern wartet, bis sie sich ihr von alleine offenbaren. Wie das kommt? Wenn Ana zu malen beginnt, bereitet sie erst einmal mit allergrößter Sorgfalt die Leinwände vor. Die, auf denen sich die scheuen Wesen später zeigen werden. Sie bearbeitet sie, spannt sie auf, trägt die Grundfarbe auf – in der Ausstellung ihrer neuesten Werke in der Galerie Praxis Graublau, Lila, Rosa, Sandfarben. Dann greift sie – nein, nicht zum Pinsel, sondern gleich zur Farbtube. Die ersten Striche führt sie noch relativ langsam aus, aber je mehr Dinge sie auf die Leinwand bannt – Ana plant ein Bild nie vorher, sondern lässt sich von ihrem Instinkt leiten -, desto schneller muss sie reagieren. Denn, so verrät die Künstlerin, wenn zwischen den Pflanzen und Bäumen (die in diesen neuen Gemälden das Wasser als Motiv abgelöst haben) mit einem Mal Figuren und Wesen auftauchen – ob sie nun aus den Baumstämmen wachsen oder auf den Baumkronen tanzen -, dann verlangen diese etwas von ihr, schreiben ihr etwas vor, dem sie gehorchen muss. “Hier bin ich! Wieso sehe ich so armselig aus?!”, scheinen sie zu schimpfen, und Ana reagiert sofort und macht sie perfekt, so wie sie sein wollen. “Es ist dann wie beim Pingpong”, sagt Ana, “denn sie tauchen ja an verschiedenen Stellen auf, es werden immer mehr und sie werden komplexer, und ich frage mich immerzu, was kann ich noch für diese tun, und für diese?” Auf die Frage, wann sie ein Bild als “vollendet” ansieht, sagt die Künstlerin: “In dem Moment, in dem es Leben hat, ist das Bild fertig.”

Und ihre Gemälde besitzen Leben. Auf eine “verrückte” Art und Weise sieht man die Figuren und Wesen in ihnen, als wären sie in einem Stroboskop hier und dort aufgeblitzt, und Ana habe diese ungemein kurzen Momente eingefangen. Da die Wesen sich auf einem Zickzackkurs durch ein Medium zu bewegen scheinen, das für das menschliche Auge normalerweise nicht sichtbar ist, sind sie nicht statisch: es ist, als könne man ihre Bewegung durch den Raum “sehen” oder eher ahnen bzw. komplettieren.

Wenn sie malt, denkt sie nicht, plant nicht, erinnert sich nicht, löscht Erfahrung und Wissen von der inneren Festplatte. Sie macht sich leer und spontan. Doch Ana Eckell ist Pragmatikerin. Wieso verwendet sie diese so ungewöhnlichen Farben – Orange, Ocker, Preußisch-Blau? “Importrestriktionen!”, lacht Ana. Dies betrifft vor allem die kleinen Tuben, mit denen sie malt, die großen sind der zierlichen Künstlerin zu schwer. Aber sie ist auch Philosophin. “Warum werden uns Steine in den Weg gelegt? Warum gibt es Hindernisse im Leben? Damit wir uns verändern können.”

“Sentido ausente” (Abwesender Geist) ist der Titel eines Werkes und der Ausstellung – und Ana Eckells schöpferisches Programm. Bis sie sich wieder verändert – weiß Gott, oder die Elfen, warum.

• Praxis, Arenales 1311, Buenos Aires
• Mo-Fr 11-13, Sa 11-14 Uhr
• Bis 24.10.

Foto:
“Haciendo tierra”, 2011, Öl auf Leinwand, 140 x 200 cm.

“Immer wieder überraschend”

Alfredo Prior-Ausstellung in der Galeria Vasari

Von Nina Obeloer

Unter dem außergewöhlichen Titel “77 días en la casa flotante” zeigt die Galeria Vasari einige aktuelle Gemälde des argentinischen Künstlers Alfredo Prior. Dabei handelt es sich unter anderem um acht großformatige Gemälde auf Wellpappe, die mit Acryl, Temperafarbe und Pastellen in Grün- und Schlammtöne mit roten, pinken oder gelben Akzenten bearbeitet wurden. Die meisten der Bilder zeigen nichts Eindeutiges, es sind keine feinen Zeichnungen erkennbar, doch trotzdem kann der Betrachter in jedem der Bilder etwas erkennen: Die Farbstriche auf einer der Pappen erinnern beispielsweise an einen Dschungel mit Gestrüpp, Baumwipfeln und Blüten. Auf einem anderen Bild scheinen sich die Wischungen zu einem ruhigen Garten mit einem Brunnen zusammenzufügen.

Prior arbeitet mit Stimmungen, mit Atmosphären, die duch besonders ästhetische Farbkombinationen hervorgerufen werden. Das Besondere: Die Bilder wirken aufwühlend durch hektische Wische, zackige Linien und Farbkleckse, als hätte Prior seine Wut an den Wellpappen ausgelassen – und doch strahlen sie eine vertraute Ruhe aus.

Aus der Reihe fallen nur zwei Werke: Eines davon ist die Kombination von 16 Einzelwerken, die in vier Viererreihen installiert wurden. Jede Abbildung zeigt eine Gestalt, die jedoch nicht sicher identifiziert werden kann, allerdings einem Teddybären mit einer runden Nase und auffälligen Ohren ähnelt. Mal wirkt er sehr traurig, auf einem anderem Bild lächelt er sanft. Auch die Farbgebung unterstreicht die Stimmungen zusätzlich.

Alfredo Prior gehört zur argentinischen Künstlerbewegung der 1980er Jahre. Als kurz nach der Militärdiktatur die Malerei für tot erklärt wurde, versuchten Prior und andere Künstler, sie mit viel Farbe und ausdrucksstarken Werken wiederzubeleben. Abstrakte Darstellungen sowie die Auseinandersetzung und Thematisierung von Fabelwesen sind Kennzeichen der Werke des in Buenos Aires lebenden Künstlers, die ihn durch seine gesamte Karriere begleiteten.

Immer wieder zeigt sich zudem seine Liebe zur japanischen Kultur, die auch in dieser Ausstellung Priors ersichtlich wird: Orientalisch angehauchte Elemente finden sich in den Bildern wieder und zitieren literarische sowie historische Persönlichkeiten der japanischen Geschichte. Die Besitzerinnen der Galerie, Lauren Bate und Marina Pellegrini, arbeiten seit 2003 mit Prior zusammen und stellen in unregelmäßigen Abständen seine Werke aus. Lauren Bate zeigt sich noch immer fasziniert von seiner Arbeit: “Die Art und Weise, wie er mit dem Papier umgeht, ist immer wieder überraschend.”

• Vasari, Esmeralda 1357, Buenos Aires
• Mo-Fr 11-20 Uhr
• Bis 9.11.