Suche nach dem verlorenen Paradies (1996)

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Eduardo Iglesias Brickles stellt in der Galerie Atica aus

Von Susanne Franz

Mit seinen beeindruckenden, farbig-schockierenden “Holzschnitt-Gemälden” ehrt Eduardo Iglesias Brickles, Jahrgang 1944, in einem Rundumschlag seine großen Vorbilder Masaccio, Gauguin, Duchamp, De Pisis, De Chirico, Max Bill und Aída Carballo. In einer Widmung im Katalog und mit direkten Bezügen in seinen Werken (z.B. in “Variación sobre ‘Ana, la javanesa’ de Paul Gauguin”) scheut er sich nicht, seine Idole klar beim Namen zu nennen und sogar Motive aus ihren Werken in seine Kompositionen aufzunehmen. Er hat auch keine Angst, Abbildungen eines seiner Künstler-Väter bzw. -Mütter verkitscht mit Heiligenschein ins Bild mit aufzunehmen. Überhaupt fürchtet sich dieser sentimental-innovative Künstler vor ganz wenigen Übertreibungen, das zeigt sich in seinen Riesenformaten, den knallenden Farben, dem yuppie-edlen Lack, mit dem er seine Bilder überzieht, und den romantisch-rustikalen Holzrahmen mit wilden Zickzackmustern, handgearbeitet, in denen er seine Werke kontrastreich zur Geltung kommen lässt.

Die Arbeit mit dem Kontrast zeigt sich beispielhaft in der Verwendung und gleichzeitigen Nicht-Verwendung der Holzschnitt-Technik. Die Riesenwerke Iglesias Brickles’ sind natürlich keine Holzschnitte, basieren aber auf kleineren Holzschnitt-Vorlagen, die dann ins Gemälde übertragen werden, so dass die gleiche tiefe Ausdruckskraft erzielt, aber simultan das Gefühl erzeugt wird, dass hier geschwindelt wurde. Dieses mit Absicht eingesetzte Stilmittel zeigt dialektisch-ironisch den Abstand des Künstlers zur “guten alten Zeit” auf – exemplarisch für die heutige Künstlergeneration -, aber auch seine völlig irrationale Sehnsucht nach eben dieser Zeit.

“Verlorene Paradiese” nennt Eduardo Iglesias Brickles seine sehr sehenswerte Ausstellung und fragt: Waren es paradiesische Zustände “damals”, ist das Gras “drüben” tatsächlich immer grüner? Wohin sehnen wir uns heute, mit welchem Ballast beladen schauen wir nach vorn?

Eduardo Iglesias Brickles beruft sich auf ganz besondere Merkmale seiner Vorbilder. Ihn faszinieren De Chiricos fiebrige Einsamkeit, Gauguins einer Weltflucht entspringendes Harmoniebedürfnis, Carballos und Bills Ausdrucksstärke. Er verbeugt sich vor diesen Meistern, seine eigene künstlerische Sprache hat er jedoch längst selbst gefunden. Nicht einfach, ist sie immer klassisch und kitschig, zerrissen und harmonisch, ironisch und sentimental zugleich.

Die Ausstellung kann man bis zum 8.6. besuchen: in der Galerie Atica, Libertad 1240, P.B., geöffnet Mo-Fr 11-13 und 15-20 Uhr, Sa 11-13.30 Uhr.

Foto:

“Músicos de Jazz”, Öl und Druckerschwärze auf Holz, 144 x 104 cm, 1996.
(Von der Website des Künstlers.)

Erschienen im “Argentinischen Tageblatt” vom 25. Mai 1996.

En busca del Paraíso perdido (1996)

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Eduardo Iglesias Brickles expone en la Galería Atica

Por Susanne Franz

Con sus deslumbrantes “xilo-pinturas”, Eduardo Iglesias Brickles, nacido en 1944, rinde homenaje a todos sus grandes ídolos: Masaccio, Gauguin, Duchamp, De Pisis, De Chirico, Max Bill y Aída Carballo. No teme nombrarlos abiertamente, tanto en el catálogo como con citas directas en sus obras; por ejemplo en “Variación sobre ‘Ana, la javanesa’ de Paul Gauguin”. Es que en sus propias obras, Iglesias Brickles incluye sin miedo motivos de las obras de esos grandes; ni siquiera le hace asco a retratar a sus mentores y mentoras en forma kitsch, aureola mediante. Es evidente de que este artista sentimental e innovador no se detiene ante casi ninguna exageración: sólo hay que mirar el tamaño enorme de sus obras, los colores chocantes, la laca exageradamente fina con la que sella sus obras, y finalmente los marcos -hechos a mano- con sus dibujos en salvaje zigzag que usa para que sus obras se luzcan en el contraste.

El trabajo con los contrastes se ejemplifica en el uso (y a la vez, el no-uso) de la xilografía. Claro que las obras gigantes de Iglesias Brickles no son xilografías, pero sí se basan en bocetos hechos con esa técnica que después son trasladados a la obra. Así se logra ese conmovedor “xilo-efecto”, y al mismo tiempo uno no puede luchar contra la impresión de que aquí alguien nos engaña. El artista echa mano de este recurso para distanciarse dialéctica- e irónicamente de los “buenos viejos tiempos”, y lo hace en forma representativa de toda una generación de artistas modernos. Al mismo tiempo ni siquiera trata de esconder su nostalgia irracional por esos mismos tiempos.

“Paraísos perdidos”, así llama Eduardo Iglesias Brickles a su muy recomendable exposición, y nos pregunta: ¿Eran realmente paradisíacas las condiciones de antaño? ¿Es verdad que el pasto de los otros siempre es más verde que el nuestro? ¿Cuáles son nuestros deseos, cuál es nuestra nostalgia, hoy? ¿Cuánto pesa ese equipaje que cargamos mientras vamos para adelante?

Eduardo Iglesias Brickles invoca en sus obras características muy especiales de sus ídolos: la soledad febril de De Chirico, la añoranza de armonía de Gauguin que resultaba de su fuga del mundo, la fuerza expresiva de Bill y Carballo. Si bien les hace una reverencia, hace tiempo que el artista ha encontrado su propio lenguaje: no siempre fácil, es a la vez clásico y cursi, desgarrador y armónico, irónico y sentimental.

Se puede visitar la muestra hasta el 8 de junio en Atica, Libertad 1240, P.B.

Foto:

“Músicos de Jazz”, óleo y tinta gráfica sobre madera tallada, 144 x 104 cm, 1996.
(Del sitio web del artista.)

Publicado en “Argentinisches Tageblatt” el 25 de mayo de 1996.

Antik-moderne Puppenstube (1995)

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Adriana Cerviño stellt Keramik-Objekte bei Atica aus

Von Susanne Franz

Die letzte Ausstellung in diesem Jahr, bevor die Galerie Atica für den Sommer ihre Pforten schließt, eröffnete am Montag, ist bis zum 6.1.1996 zu sehen und präsentiert eine sehr ungewöhnliche Künstlerin mit originellen Werken: Adriana Cerviño mit ihren Keramik-Objekten, d.h. Keramik-Puppen, die an antike Porzellanpuppen erinnern, und die die Künstlerin in einen Zusammenhang stellt, indem sie sie auf bemalte Holzsockel stellt, in eine Kiste integriert, von einem Seil herabhängen lässt, sie von einem Kasten “lebensmüde” in den Abgrund stürzen lässt, etc.

Cerviños etwa 30 cm hohe Figuren wirken überraschend lebensecht, ihre Bewegungen sind in einem exakten Moment eingefangen und eingefroren in ausdrucksstarken Gesten. Besonders beeindruckend sind die Gesichter, die, asymmetrisch, in völligem Gegensatz stehen zu den schönen schrecklichen Puppengesichtern alter Zeiten, die man sich in Puppenstuben von Königshäusern ebensogut wie in einem Horrorfilm vorstellen kann. Überraschung auf dem Gesicht des “Straßenmädchens”, Erlösung in den Zügen des von der Brücke Springenden, Zufriedenheit bei einem schlafenden Paar, Ergebenheit beim “Gestraften”: hier beweist Adriana Cerviño vielleicht ihre größte Ausdruckskraft.

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Casa de muñecas poco convencional (1995)

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Adriana Cerviño expone cerámicas en Atica

Por Susanne Franz

La última exposición antes que la Galería Atica cerrara sus puertas por el verano se inauguró el lunes y se puede visitar hasta el 6 de enero de 1996. Se presenta una artista dueña de obras originales: Adriana Cerviño y sus muñecas de cerámica que remiten a sus hermanas de porcelana de los viejos tiempos. La artista las pone en relación con diferentes situaciones: las ubica arriba de un zócalo de madera pintada, las instala en una caja, las hace colgar de una soga o las deja tirarse, “suicidas”, desde un cajón al precipicio.

Las figuras de más o menos 30 centímetros de alto parecen sorprendentemente reales, sus movimientos están captados en un momento exacto y “congelados” en gestos expresivos. Impresionan en especial las caras que, asimétricas, no tienen nada que ver con caritas de sus modelos que, tan bellas como horripilantes, podrían ser parte de la colección de un palacio o inventario de una película de terror. Se dibuja sorpresa en la cara de la “Chica de la Calle”, alivio en los rasgos del suicida; la pareja durmiente parece contenta, el “Castigado” rendido ante su destino. La mayor fuerza expresiva de la artista Cerviño está en estas caras.

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Argentinische Erzählungen

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Berni-Ausstellung im MNBA zeigt soziale Probleme

Von Katharina Köhler

Das Museo Nacional de Bellas Artes in Buenos Aires eröffnete am Donnerstag, dem 15. Juli, die Ausstellung „Berni: Narrativas argentinas“ (Berni: Argentinische Erzählungen), die 31 herausragende Werke des argentinischen Künstlers Antonio Berni, einem der wichtigsten Vertreter der lateinamerikanischen Kunstszene, zeigt.

Der Künstler aus Rosario ist eine Schlüsselfigur der argentinischen Kultur, dessen Werk stark von sozialen Inhalten geprägt und von Charakteren wie Juanito Laguna und Ramona Montiel durchzogen ist – Vertreter der unteren und vergessenen Schichten. Dank der sozialen Problematik seiner Werke wuchs Bernis Bekanntheitsgrad beträchtlich. Seine Bilder wurden in New York zu teilweise sehr hohen Preisen versteigert.

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“Narrativas Argentinas”

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La exposición de Antonio Berni en el MNBA demuestra problemas sociales

Por Katharina Köhler

En el Museo Nacional de Bellas Artes se inauguró el jueves, 15 de julio, la exposición “Berni: Narrativas argentinas”, que presenta 31 obras destacadas del artista argentino Antonio Berni, uno de los principales representantes del ambiente artístico latinoamericano. El artista rosarino es una figura clave de la cultura argentina. Su obra está fuertemente marcada por contenidos sociales y representada por figuras como Juanito Laguna y Ramona Montiel, personajes de los estratos sociales más bajos y olvidados. Gracias a ese aspecto social aumentó considerablemente el grado de la popularidad de la obra de Berni. Sus cuadros fueron subastados en Nueva York, en parte a precios muy altos.

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Kunst, die Kulturen verbindet (1999)

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Andrés Waissman (Argentinien) und James Peck (Malwinen) zeigen Gemälde im Centro Cultural Borges

Von Susanne Franz

Ein kleiner Saal im ersten Stock des Centro Cultural Borges beherbergt momentan eine in vielerlei Hinsicht sehr ínteressante Ausstellung – hier reichen sich die Künstlerkollegen James Peck von den Malwinen und Andrés Waissman, waschechter Porteño, symbolisch für ihre Völker die Hände in Freundschaft und zeigen gleichzeitig einen fein differenzierten Querschnitt ihrer Gemälde, die auf eigentümliche Weise miteinander kontrastieren und sich ergänzen.

Waissmans abstrakte Gemälde zeichnen in erschütternder Weise eine Welt, in der der Mensch von der Maschinerie seines eigenen “Fortschritts” überrollt wurde. Entvölkerte Großstadtbilder, in denen man ausgebrannte Fabrikhallen erahnen kann, oder apokalyptische Visionen von den Planeten zerstörenden Menschenmassen sind Aufschreie eines sensiblen Künstlers, der sich nicht der Hilflosigkeit ergibt, sondern sich kreativ rnit seinen Ängsten (und denen vieler anderer) auseinandersetzt.

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Arte que une a las culturas (1999)

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Andrés Waissman (Argentina) y James Peck (Malvinas) exponen pinturas en el Centro Cultural Borges

Por Susanne Franz

Una pequeña sala en el primer piso del Centro Cultural Borges alberga en estos días una muestra muy interesante. Interesante por varios motivos: aquí los artistas James Peck, de las Islas Malvinas, y el porteño Andrés Waissman extienden sus manos en amistad, como gesto simbólico y ejemplo a seguir para sus pueblos. Al mismo tiempo acercan al público una selección cuidada de sus pinturas, que contrastan y se complementan de una manera muy extraña.

Las pinturas abstractas de Waissman trazan en forma desgarradora un mundo en el que el hombre ha sido atropellado por sus propios avances tecnológicos. En escenas de metrópolis despobladas, se pueden vislumbrar fábricas quemadas, en otras parece que un tsunami de hombres destruyera el planeta. Estas visiones apocalípticas son gritos de un artista sensible que no se rinde ante la impotencia, sino que busca un canal creativo por el cual dirigir su angustia (que comparte con muchos otros).

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Maschinen, die Träumen Gestalt geben (1998)

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Pérez Temperleys Graphiken bei Atica

Von Susanne Franz

Die Erfindung des mechanischen Webstuhls (1785) oder der Dampfmaschine (1765) haben die Welt revolutioniert und den Fortschritt eingeläutet, Die Diskussion über die Verdrängung des Menschen durch die Maschine ist nie erlahmt, sie ist heute, mit der laufenden Verbesserung der Computer in einer zunehmend globalisierten Welt, aktueller denn je. Es gibt immer weniger Platz für immer weniger Privilegierte.

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Máquinas de conformar sueños (1998)

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Grabados de Marta Pérez Temperley en Atica

Por Susanne Franz

La invención del telar mecánico (1785) o de la máquina al vapor (1765) transformó el mundo: desencadenó la revolución industrial. Desde entonces sigue vigente la discusión sobre el desplazamiento del hombre por la máquina. En la actualidad, en un mundo globalizado, con computadoras cada vez mejores, es más urgente que nunca. Y al mismo tiempo el mundo se achica, hay cada vez menos espacio para cada vez menos privilegiados.

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Einladung zu einem neuen Sehen (1999)

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Juan Carlos Lasser im British Arts Center

Von Susanne Franz

Schon mehr als 200 Einzel- und Kollektivausstellungen hat er im In- und Ausland bestritten, er erhielt die renommiertesten Preise, die man in Argentinien bekommen kann, hat über 50 Mal selbst als Jurymitglied bei wichtigen Wettbewerben über die Qualität seiner jungen Künstlerkollegen zu entscheiden gehabt, und ist mit seinen Werken in Museen und Privatsammlungen in aller Welt (auch in Deutschland) vertreten.

Expressiv, farbenreich, großzügig und wild sind die abstrakten Gernälde Juan Carlos
Lassers; der Phantasie sind keine Grenzen gesetzt, wenn man die subtil angedeuteten gegenständlichen Formen seiner Bilder zu interpretieren beginnt. Jedes Hinsehen verleiht dem Gemälde einen neuen Sinn, da man jeweils eine andere Form in den Vordergrund rücken kann, einer speziellen Farbe Bedeutung verleiht, etc. Der Künstler trickst die Sinne aus, er kalkuliert mit dem Bodenlosen, den unendlichen Möglichkeiten des Sehens, Erlebens, Verstehens und Fühlens.

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