Berlín Buenos Aires Art Xchange 2007

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Deutsche und argentinische Künstler im Centro Cultural Recoleta

Bauhouse aus Berlin zeigt Videos und Performances.

Am Freitag wird im Centro Cultural Recoleta (Junín 1930) die deutsch-argentinische Gemeinschaftsausstellung „Berlín Buenos Aires Art Xchange 2007“ eröffnet. Bis zum 15. Oktober sind in den Sälen 1, 2, 13 und Villa Villa sowie in den Espacios Living, Escalera und Microcine Fotos, Zeichnungen, Gemälde, Videos, Installationen, Performances, Kurzfilme u.a. von neun Berliner und dreizehn argentinischen Künstlern zu sehen. Aus Berlin kamen: Armin Ceric (Gemälde, Video), Bauhouse (Video, Performances), Bettina Pousttchi (Video, Fotos), Daniel Mohr (Gemälde), Daniela Finke (Fotos), Eve Hurford (Projektionen), Jan Bauer (Gemälde), Marcel Steger (Fotos) und Olaf Hayek (Zeichnungen). Für Buenos Aires gehen ins Rennen: Caraballo-Farman (Video), Diego de Aduriz (Collage), Doma (Video, Performance), Esteban Pastorino (Fotos), Fabiana Imola (Skulpturen), Facundo de Zuviría (Fotos), Julio Chaile (Video), Karina el Azem (Skulpturen), Marcos López (Fotos), Matías Duville (Gemälde), Miguel Mitlag (Fotos), Nicola Constantino (Fotos, Skulpturen) und Sebastián de Ganay (Gemälde). Kuratoren sind Dudu von Thielmann vom Verlag Ediciones Larivière (Buenos Aires) und Holder Volland (Berlín). Zum Beraterkomitee gehört der Vorsitzende des Deutschen Klubs, Thomas Leonhardt. Sponsor der Ausstellung ist Volkswagen Argentina, unterstützt wird sie von der Deutschen Botschaft in Buenos Aires anlässlich der 150-jährigen deutsch-argentinischen Beziehungen. Informationen findet man hier.

Berlín Buenos Aires Art Xchange 2007

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Artistas alemanes y argentinos en el Centro Cultural Recoleta

Imagen de Bauhouse.

Inspirados por sus ciudades, nueve artistas berlineses y trece argentinos, presentan fotografías, ilustraciones, pinturas, videos, instalaciones, performances y cortometrajes.

Los artistas alemanes que participarán de la exposición son: Armin Ceric (pintura, video), Bauhouse (video, performances), Bettina Pousttchi (video, fotografía), Daniel Mohr (pintura), Daniela Finke (fotografía), Eve Hurford (proyección), Jan Bauer (pintura), Marcel Steger (fotografía) y Olaf Hayek (ilustración). Por Buenos Aires, serán parte de la muestra: Caraballo-Farman (video), Diego de Aduriz (collage), Doma (video, performance), Esteban Pastorino (fotografía), Fabiana Imola (escultura), Facundo de Zuviría (fotografía), Julio Chaile (video), Karina el Azem (escultura), Marcos López (fotografía), Matías Duville (pintura), Miguel Mitlag (fotografía), Nicola Constantino (fotografía, escultura) y Sebastián de Ganay (pintura). Curadores: Dudu von Thielmann (Buenos Aires) y Holder Volland (Berlín).

En el Centro Cultural Recoleta, Junín 1930, Salas 1, 2, 13, Villa Villa, Espacios Living, Escalera y Microcine. 05.10.-15.10. Infos en el sitio de Berlín Buenos Aires Art Xchange BBAX.

Deutsche Fotografie im MNAD

Subjektive Fotografie – Der deutsche Beitrag 1946-1963

Bis zum 14. Oktober präsentiert das Goethe-Institut Buenos Aires im Museo Nacional de Arte Decorativo (MNAD) die Ausstellung “Subjektive Fotografie – Der deutsche Beitrag 1946-1963” des ifa (Institut für Auslandsbeziehungen). Eine ’subjektive fotografie’ (kleingeschrieben und in bauhaustypografie gesetzt) ist eine Formel, die Otto Steinert, einer der aktivsten deutschen Fotografen nach dem Zweiten Weltkrieg benutzte. Er prägte den Begriff für die Sammlung fortschrittlicher, formbewusster Schwarz-Weiß-Fotografie seiner Zeit. Steinerts Ausstellungen ’subjektive fotografie’ der fünfziger Jahre waren international. Da der deutsche Beitrag aber initial war und ein Kernstück darstellte, wird er in dieser Ausstellung gesondert vorgestellt.

Im MNAD, Av. del Libertador 1902, dienstags bis sonntags von 14-19 Uhr, montags geschlossen. Eintritt frei. Infos auf der Webseite des Goethe-Instituts.

Fotografía alemana en el MNAD

Fotografía subjetiva. La contribución alemana. 1948-1963

En el Museo Nacional de Arte Decorativo (MNAD), se podrá ver hasta el 14 de octubre la exposición “Fotografía subjetiva. La contribución alemana. 1948-1963”. Esta muestra presentada por el Instituto Goethe en Buenos Aires, fue organizada por el Instituto para las Relaciones con el Extranjero/Alemania (IfA) y presenta 165 fotos de fotógrafos alemanes como Otto Steinert, Monika von Bach, Hermann Claasen, Robert Häusser, Peter Keetman, Adolf Lazi, Herbert List y Stefan Moses entre otros. Se trata de artistas pertenecientes a la llamada “fotografía subjetiva” que trabajaron entre los años 1948 y 1963.

El término “fotografía subjetiva” fue reutilizado por Steinert como un retorno a la “nueva fotografía” introducida en la década de 1920 por fotógrafos de la Bauhaus y pioneros de la fotografía experimental, y a la vez como una reorientación de la fotografía hacia sus posibilidades más expresivas y creativas. Esto fue calificado por los nazis como “arte degenerado” en 1933 y fue prohibido generando un vacío hasta después de 1945.

Los “fotógrafos subjetivos” buscaron contrarrestar los abusos que habían cometido los nazis con la fotografía -conceptos pseudo ideales de patria, familia, raza, guerra y trabajo- introduciendo experimentos, estructuras duras, además de poner en tela de juicio la existencia humana y técnica mediante la introducción de efectos surrealistas, simbolismos o abstracciones.

En la actualidad, los paralelismos entre la “fotografía subjetiva” y la pintura contemporánea abstracta, no objetiva, surrealista e informal, se hacen más evidentes que durante los años inmediatamente posteriores a 1945. En cuanto a su importancia histórica, existe un amplio consenso en considerarla como una de las tendencias características de la fotografía de posguerra.

En el MNAD, Av. del Libertador 1902. De martes a domingos de 14 a 19 hs. Lunes cerrado. Entrada libre Informaciones en el sitio del Instituto Goethe.

Nota encontrada en el blog Noktambularte.

Markt der Raritäten

Die dritte Antiquitätenmesse “Feria de Anticuarios” öffnet vom 8. bis 16. September ihre Pforten

Von Julia Philipp

Dass das Herumstöbern auf Antiquitätenmärkten eine schöne – in Buenos Aires schon zur Mode avancierten – Sache ist, kann jedes Wochenende in San Telmo beobachtet werden. Die Antiquitätengeschäfte und Märkte schiessen dort wie Pilze aus der Erde, ständig entdeckt auch der Kenner ein neues mit Einrichtungsgegenständen oder Schmuck vergangener Zeiten gefülltes Geschäft, das vor allem die kaufkräftige Kundschaft aus dem Ausland anlocken soll.

Weitaus erlesenere und exklusivere Stücke kann der Liebhaber und Sammler auf der Antiquitätenmesse im Palais de Glace in Recoleta finden. Die zum dritten Mal veranstaltete Messe wird wohl an den Erfolg der letzten Jahre anknüpfen, der sich in den mehr als 20.000 Besuchern, der großen medialen Aufmerksamkeit und der Großzügigkeit der Sponsoren widerspiegelt. Die von Sammlern ersehnte Messe, die am 8. September im Salòn Renacimiento des Museo de Arte Decorativo feierlich bei einem Frühstück präsentiert wurde, wird am siebten September offiziell eingeweiht und ist vom 8. bis zum 16. September dem Publikum zugänglich.

Die vom Verein der Freunde des Museo Nacional de Arte Decorativo organisierte Messe präsentiert Raritäten verschiedener Kunstrichtungen und Epochen, die so selten unter einem Dach zu finden sind. Das Museo de Arte Decorativo zeigt eine Sammlung von Stücken im Stile von Luis XVI., das Museo de Bellas Artes der Provinz Buenos Aires präsentiert Gemälde und Skulpturen seiner Sammlung zum Thema “Das Porträt” und das exquisite Museo de Arte Tigre ist mit seiner neuen Kollektion von Gemälden mit der Thematik “Stillleben” zugegen.

Wie auch in den vergangenen Jahren sollen aber die privaten Aussteller im Mittelpunkt stehen, darunter die renommiertesten Antiquitätensammler und Galerien Argentiniens. In diesem Jahr werden 16 Antiquitätenhändler und zwei Juweliere, zudem Textilexperten, Uhrmacher und eine Vielzahl von Kunstgalerien ihre Stücke ausstellen. Begleitet wird die Messe von Vorträgen und “Runden Tischen” über dekorative Stile, die Werke von Alejandro Bustillo oder das Leben und Wirken des brasilianischen Bildhauers O Aleijadinho im 18. Jahrhundert.

Zudem werden die von den Gewinnern des von den Freunden des Museums und der Banco Galicia organisierten Wettbewerbes hergestellten Kunstwerke ausgestellt. Bei dem Wettbewerb bestand die Aufgabe darin, fünf Ziergegenstände aus der Sammlung des Museums mit allen künstlerischen Freiheiten und Kreativität zu interpretieren.

Die Messe kann ab dem 8. September, 11.00 Uhr, im Palais de Glace, Posadas 1725, Buenos Aires, Cap.Fed. bis zum 16. September um 21.00 Uhr besucht werden. Öffnungszeiten: montags-freitags 12.00-21.00 Uhr, am Wochenende 11.00-21.00 Uhr. Der Eintritt liegt bei 16 $, Studenten 10 $, Renter montags ebenfalls 10 $.

Der Artikel erschien am 25.08.07 im “Argentinischen Tageblatt”.

El tiempo en juego

Videoinstalaciones de Douglas Gordon en el Malba

Douglas Gordon: Play Dead; Real Time [Juega al muerto; Tiempo real] (2003).

El 30 de agosto, el MALBA inaugura al público la exposición Douglas Gordon. Timeline | Línea de tiempo, que incluye seis videoinstalaciones de gran escala, en las que Gordon manipula las imágenes de films clásicos y crea una nuevas obras. Entre ellas, se destacan 24 Hour Psycho [Psicosis de 24 horas] (1993), basada en el film Psicosis, de Alfred Hitchcock, y Between Darkness and Light (After William Blake) [Entre la oscuridad y la luz (en honor a William Blake)] (1997), donde combina El exorcista, de William Friedkin (1973), a color, con La canción de Bernadette, de Henry King (1943), en blanco y negro.

Douglas Gordon (Glasgow, Escocia, 1966) es uno de los artistas contemporáneos más reconocidos a nivel mundial por su trabajo en el campo del videoarte. Utilizando su propia biografía y su propio cuerpo como puntos de origen, su extensa práctica artística incluye video, fotografía, texto y escultura, combinando referencias personales con alusiones a la cultura popular en su continua exploración de la memoria colectiva y del conocimiento visual compartido.

Si bien muchas de sus obras dependen de la apropiación de famosos largometrajes y de su manipulación a través de una cantidad de procesos de edición, otras obras son filmadas por el propio Gordon. Al ralentizar, dividir, duplicar y espejar imágenes, crea complejas articulaciones entre lo personal y lo histórico, la memoria y la imaginación, la ficción y la realidad. El artista escocés se nutre de la discrepancia entre la observación inmediata de la obra en el espacio de exhibición y las asociaciones e ideas que la misma provoca en la mente de los espectadores.

En 1993, presentó su versión del film Psicosis, proyectado en cámara lenta con una duración de 24 horas, lo cual marcó el comienzo de su labor con el manejo de imágenes colectivas, en las que hace reconocer el tiempo visible empleando la belleza y la realidad de las imágenes, comprometido con lo que Walter Benjamín denominó “el psicoanálisis de las imágenes”.

Douglas Gordon trabaja sobre la memoria visual de las personas. Si bien el ser humano recibe una multiplicidad de información mediática, llega a internalizar sólo una pequeña porción de ella. Tal como escribe Klaus Biesenbach, curador de la exposición, “él explora el modo en que nuestros recuerdos visuales se conforman por eventos reales y ficcionales, por la textura entretejida de tramas imaginadas y recolectadas, y por lo que recordamos y lo que creemos recordar. Su obra toma como punto de partida la percepción y la memoria.”

• Douglas Gordon, Timeline | Línea de tiempo. Curador: Klaus Biesenbach, Chief Curator, Department of Media, at MoMA y Chief Curatorial Advisor at PS1, Contemporary Art Center, New York. Esta exposición fue inicialmente organizada y presentada en The Museum of Modern Art, New York (MoMA) y su itinerancia está auspiciada por el International Council de MoMA. En el MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires), Av. Figueroa Alcorta 3415. Jue-Lun y feriados 12-20 hs, martes cerrado, Mie hasta 21 hs, entrada libre. Los otros días entrada 12 pesos, docentes y mayores de 65 años 6 pesos, estudiantes, menores de 12 años y discapacitados gratis. Del 31 de agosto al 5 de noviembre de 2007.

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Meisterfotograf in Buenos Aires

Robert Frank-Retrospektive im Museo Isaac Fernández Blanco

Von Susanne Franz

Am Donnerstag wurde im Museo Isaac Fernández Blanco (Suipacha 1422) die Ausstellung “ROBERT FRANK / words” des 1924 in der Schweiz geborenen, gefeierten amerikanischen Fotografen eröffnet, der mit sensiblen Schwarz-Weiß-Fotografien wie kein zweiter die amerikanische Gesellschaft porträtierte. Die von Jorge Cometti und Leila Makarius kuratierte Retrospektive umfasst 73 Werke aus den Sammlungen des Fotomuseums Winterthur und der Fotostiftung Schweiz.

Organisiert wurde die Ausstellung von der Schweizer Botschaft, dem Museo Isaac Fernández Blanco und dem Sekretariat für Museen der Stadt Buenos Aires, mit der Unterstützung der kanadischen, US-amerikanischen und französischen Botschaften. Schirmherren sind Novartis, der Verlag Ediciones Larivière und ProHelvetia.

Im französischen Kulturinstitut Alianza Francesa (Av. Cór-doba 936) wird ein die Ausstellung begleitendes Programm mit Rundtischgesprächen über Aspekte von Robert Franks Werk veranstaltet – “The Americans” (31.8., 19 Uhr), “The Lines of My Hand” (4.9., 19 Uhr) und “Moving Out” (18.9., 19 Uhr). Die “Escuela Argentina de Fotografía” organisiert einen Hommage-Fotowettbewerb für junge Künstler (Infos: eaf@eaf.com.ar).

Die Ausstellung ist bis zum 21. Oktober geöffnet (dienstags bis sonntags von 14-19 Uhr).

Kleine Auflage – große Wirkung

Erstes Jahr der “Ediciones del Año Verde” in der Galerie Empatía

Von Susanne Franz

Werk von Alfredo Benavídez Bedoya.

Acht Mappen mit unveröffentlichtem Material, die er in seinem Keller fand, gaben dem Künstler Alfredo Benavídez Bedoya den Anstoß, den Verlag “Ediciones del Año Verde” zu gründen, der in diesem August schon seinen 1. Geburtstag feiert. Warum immer darauf warten, dass man seine Werke in Ausstellungen zeigen oder in Salons vorstellen kann, warum (meist vergeblich) darauf hoffen, dass ein Kunstliebhaber ein Werk in Auftrag gibt? Die Künstler müssen nach Benavídez Bedoyas Ansicht die Dinge selbst in die kompetenten Hände nehmen. Der nicht nur in Kennerkreisen außerordentlich geschätzte und berühmte Zeichner und Graphiker krempelte die Ärmel hoch und machte sich ans Werk. Gerade solche Künstler wollte er ansprechen, die in “verschmähten” Sparten wie der Graphik oder der Keramik arbeiten. Jetzt will er schon bald in die Sphäre der Textilkunst und der Fotografie vorstoßen. Seine Augen leuchten, wenn er davon spricht.

Besonderheit des “Grünes-Jahr-Verlages”, der eben keine Bücher, sondern Kunst-Objekte verlegt, ist die geringe Anzahl der in Serien hergestellten Werke (z.B. sechs oder zwölf) und die vom Verlag garantierte Authentizität. Ein weiterer Vorteil sind niedrigere Kosten gegenüber einem Unikat.

Die Geburtstags-Ausstellung, die am Donnerstag in der schönen Galerie Empatía eröffnet wurde, zeigt die Produktion des ersten Jahres: Benavídez Bedoyas eigene Werke und die der eingeladenen Künstler Juan Capurro, Alberto Cedrón, Pablo Páez, Diego Perrotta, Félix Rodríguez, Daniel Santoro und María Marta Yché. Die Werke – buntgemischt, hochinteressant, intellektuell anspruchsvoll und ironisch-humorvoll – sind dank einer exzellenten Montage sehr wirkungsvoll ausgestellt, man sieht sowohl die einzelnen Werke als auch die “verpackte Version” (z.B. stecken Pablo Páez’ erotische Graphiken in einer Mappe, die mit einem Damenstrumpf verschnürt ist), daneben die Gußformen der Keramiker oder die Matritzen der Graphiker.

Die sehr empfehlenswerte Ausstellung ist leider nur bis zum 17. August in der Galerie Empatía, Carlos Pellegrini 1255, montags bis freitags 11-20, samstags 10-18 Uhr, zu sehen.

Werk von Diego Perrotta.

Werk von Félix Rodríguez, der gerade in Zürich ausstellt.

Refugio para acuñar sueños

“Bolero”, pinturas y textos de Patricia Di Pietro, en Elsi del Rio

Por Fernando Entin

Sueños… refugio de tantas, destino de tan pocas… Los escenarios que arma Patricia Di Pietro – construcciones simples, casi escenográficas – son un refugio para acuñar sueños. Su ojo fotográfico y pop crea ambientes de fuerte contrapunto dramático, adonde prevalecen el carmín pasión frente al celeste Almodovariano, en un duelo de colores de fuerte corte “mujer-hombre”, duelo “sola-con alguien”, duelo “deber-placer”, duelo “placer-naftalina”.

Dejo de los gloriosos ´60, de telenovela pueblerina, de fantasía inflada en peluquería, un Wincofón marca la época y musicaliza el terreno. Sus imágenes vintage, retro, enarbolan la bandera del amor tal cual el mandato materno lo impone: casada. Con el hombre a su lado. ¿A su lado? Solo los espejos podrán responder esa y otras tantas preguntas, siempre íntimas.

Las figuras, recortadas sobre escenarios poco felices, siempre opresivos e iluminados por una lámpara impiadosa, fueron despojadas de la emoción de la pincelada, dejando emerger la emoción del personaje, buscando la aprobación del espectador y su complicidad. Tal como en el bolero, que necesita de tres para crear la magia del romanticismo: dos enamorados y un observador, la pintura de Di Pietro se nutre de la mirada del otro para darle sentido al amor.

Sueños. Que llegue él y que juntos, de blanco, de la mano, bajo violines y flores y sonrisas y envidias y mucho tumulto, lleguemos ahí. De blanco. ¡Juntos! De tul blanco, de percal blanco, de sábanas blancas. ¡Juntos! Al final ¡Juntos! A la cama. ¡Juntos! Y será la dicha…

Sobre Patricia Di Pietro

Desde 2004 se desempeña como productora y guionista del programa Dos Gardenias (Radio Nacional, conducido por Eduardo Aliverti), realizando investigaciones biográficas, editando textos literarios y realizando la selección musical, además de producir textos propios sobre cuestiones de género. Se desempeñó también como productora y editora fotográfica en distintos medios, entre ellos el diario La Nación.

• Patricia Di Pietro, “Bolero”, pinturas y textos. Presentación del libro: Eduardo Aliverti. Elsi del Rio Arte Contemporáneo, Arévalo 1748, entre Honduras y El Salvador, Palermo Hollywood. Mar-Vie 15-20, Sab 11-14 hs. Inauguración: 08.08., 19-22 hs. Hasta 01.09.

La verdad de un presente inaudito

“Fractales” – pinturas de Andrés De Rose en Crimson

¿Cuando miramos, fragmentamos la mirada o todo se nos presenta ya fragmentado, en diminutas líneas que se tocan o que evaden sus límites? ¿Vivimos un tiempo de murallas y bordes o la gente del mundo es imperceptible y ajena entre si? ¿Las ideologías existen o han desaparecido para dejar entrar la individualidad y el desconcierto? ¿El mundo está abierto a los jóvenes o ellos recibieron el mundo como es hoy, un autónomo y vertiginoso tobogán?

¿En la geometría podemos encontrar la forma de un silencio absoluto? Es muy difícil crear en blancos y negros la cadencia conceptual de un hilo que intenta la superficie como terreno plano, como descanso, como el fin de una noche de luces, movimientos, transpiración, humo, de no reconocimiento del otro, una forma tibia, ambigua, que puede convertirse en el receptáculo temporario de la agonía. Esa gente de la noche que hace invisible la posibilidad de comunicarse, o se comunica con los gestos primitivos del cuerpo que pide ayuda para ordenar la sensación de querer vivir. Y viven.

Cada línea de Andrés De Rose enjuaga la verdad de un presente inaudito, pero a la vez reformula la estructura básica del arte de todos los tiempos. De Rose arma ventanas precisas y elocuentes. Ese silencio tensa la verdad de lo que es hoy ser joven. La pintura nunca se fue pero sus contenidos van, como debe ser, con su época. Su soporte es la tela o la madera o la inevitable superficie de un objeto casual, disparador de nuevas concepciones.

Los artistas percibimos el material que nos llama y De Rose va a su encuentro. Ese encuentro que contiene la magia de tocar lo originario para convertirlo en presente. Podríamos hablar del infinito pero no es este el caso. La pintura de Andrés intenta el rescate de cierta epidermis universal.

Andrés De Rose nació en Buenos Aires, en 1986. Estudió dibujo, pintura y escultura con Rosa Reviello. Cursó Bellas Artes en la escuela ‘Manuel Belgrano’. Participó en los Certámenes Bonaerenses en dibujo obteniendo el primer premio. Actualmente se perfecciona y hace clínica de obra con el artista Andrés Waissman. En agosto de 2007, expone sus pinturas por primera vez en la Galería de Arte ‘Crimson’.

• Andrés De Rose, “Fractales”, pinturas. Curador: Andrés Waissman. Crimson Galería de Arte, Sala 3, F. Acuña de Figueroa 1800. 01.08.-25.08.

“El ilustrador olvidado”

“Las Artes de Alejandro Sirio” en el Museo Nacional de Bellas Artes

En el marco de una programación orientada a difundir y revalorizar la producción artística local, el Museo Nacional de Bellas Artes presenta una selección de obras de Alejandro Sirio, destacado artista gráfico de la época de oro de la prensa ilustrada argentina, en la primera mitad del siglo XX.

La exposición propone un recorrido en torno a su heterogénea producción: su prolífica participación en los diarios y revistas de la época, su incursión en la publicidad, las ilustraciones que realizó para destacados autores literarios, el diseño de murales para el subterráneo porteño y la destreza técnica y expresiva que demostró en cada una de sus artes.

Nicanor Alvarez Díaz nació en Asturias, España, en 1890. En 1910 llegó a Buenos Aires y, dos años más tarde, cuando comenzó a trabajar como dibujante en la revista Caras y Caretas adoptó el seudónimo de Alejandro Sirio. Colaboró con la revistas Plus Ultra y El Hogar, y fue dibujante de planta del diario La Nación. Para estas publicaciones realizó ilustraciones, caricaturas, viñetas y diseños tipográficos.

Sirio también se relacionó con emblemáticos escritores de la élite intelectual porteña. Entre 1927 y 1928 ilustró la novela La Gloria de don Ramiro, de Enrique Larreta. Estos dibujos constituyen el único conjunto completo del artista que se conserva en la Argentina gracias a la donación que el escritor realizó al Museo Nacional de Bellas Artes en 1938. En esta oportunidad se exhibirán 33 ilustraciones originales junto a la primera edición del libro, editado en 1929.

Las ilustraciones de Sirio, muy populares en su época, dejaron de ser publicadas luego de la muerte del artista, en 1953. Desde entonces, su nombre y su recuerdo se diluyeron. La presente exposición intenta rescatar su extensa y valiosa obra, dispersa y escasamente conocida en la actualidad.

En esta ocasión se exhiben más de setenta dibujos originales del artista, una amplia selección de las publicaciones que ilustró y material gráfico que devela “la cocina del oficio”. Simultáneamente a la exposición se presentará el libro “Alejandro Sirio. El ilustrador olvidado” que recopila parte de su producción, editado por el diseñador gráfico Lorenzo Amengual.

• “Las Artes de Alejandro Sirio”. Museo Nacional de Bellas Artes, Avenida del Libertador 1473. Martes a viernes de 12.30 a 19.30, sábados y domingos de 9.30 a 19.30 hs. Entrada libre y gratuita. Del 1 de agosto al 2 de septiembre de 2007.