Un universo pre-consciente (1996)

Klicken Sie hier, um die deutsche Version zu lesen.

Gabriel Salomón expone sus pinturas recientes en la Galería Ruth Benzacar

Por Susanne Franz

El artista Gabriel Salomón, que presenta su producción 1995/96 en la Galería Ruth Benzacar, lo pinta todo de negro: deja a un lado los clichés, las divisiones en blanco-negro, bueno-malo. Ni siquiera hay colores. No hay historia que empiece con “había una vez” ni que termine con “y vivieron felices”. Se pone en cuestión nuestro concepto del mundo, nuestra comodidad, cuando nos enfrentamos con semejante monotonía solemne, con el universo negro de un artista, su personal espacio celestial en el cual reinan la ingravidez, el silencio y la eternidad. En ese espacio, de repente somos astronautas perdidos que no han encontrado el camino de regreso a su nave. En forma lenta, casi imperceptible, nos alejamos de todo lo que conocemos.

¿Qué es el hombre sin sus costumbres habituales, sin los patrones a los cuales el cerebro recurre constantemente? Para ubicarse en su entorno usa rutinas, modelos, clichés, no hace falta ni siquiera encender la consciencia. Pero ¿qué pasa cuando de pronto no reconocemos nada, cuando no hay dónde anclar? ¿Entonces sí arrancaría esa máquina llamada consciencia? ¿Y qué haría? ¿Le ordenaría al cuerpo entrar en pánico? ¿Y si ya fuera demasiado tarde para reaccionar?

Las obras de Gabriel Salomón, negro sobre negro, con algo de azul y poquísimo blanco alrededor de algunas roturas, con puntitos relucientes que brillan como las estrellas, quiebran los patrones de la percepción. Sin embargo, no dejan lugar para el miedo o la desolación: usan todo el peso de la belleza en contra. Se trata de un balanceo precario para facilitar al espectador una experiencia estética por fuera de las reglas, en un espacio donde no valgan las leyes de la naturaleza que garantizan el normal funcionamiento del hombre. De ese modo, puede elevarse y volar, pasando lentamente por ventanas oscuras, mirando solo de reojo, dejando que los sentimientos y las visiones sean uno.

Experimento logrado: en lo minimalista, lo incoloro, la repetición oscura, el artista Gabriel Salomón esconde la sorpresa, la experiencia primordial de la percepción, la pre-consciencia incondicional.

Las pinturas sin título de los últimos dos años forman un contraste brusco con la producción anterior del artista, cuando trabajaba con cajas conformadas de objetos y jirones de pinturas, variando como en un puzzle su actitud ante la vida. “Para mi, el arte y la vida se parecen”, escribe en un catálogo para una muestra en el año 1992. “Vivimos armando cosas todo el tiempo, incluimos en nuestro presente restos y objetos de nuestro pasado.”

Ahora, en 1996, se le suma una nueva dimensión: el futuro. Vivir o hacer perceptible el tiempo como continuo ya no es privilegio exclusivo de los dioses.

Hasta el 21 de septiembre se puede visitar la muestra en la Galería Ruth Benzacar, Florida 1000.

A comienzos del 1997 las obras van a Alemania donde Gabriel Salomón expone desde hace años (Berlín, Hamburgo, Stade) despertando un gran interés por parte del público.

Publicado en “Argentinisches Tageblatt” el 7 de septiembre de 1996.

Überlegungen bezüglich des Landlebens (1995)

Click aquí para leer la versión en castellano.

Erste Einzelausstellung der Bildhauerin Cristina Tomsig bei Atica

Von Susanne Franz

Wie stellen wir uns – als Stadtmenschen – das Landleben vor? Welche Konzepte und welches Vorstellungsvermögen haben wir, um uns ein Bild vom “Land” zu machen? In den Kopf kommen: eine vage Sehnsucht nach der Natur, nach dem, was die Stadt eben nicht ist, nach Ruhe, Gesundheit, “wahrem Leben” – ganz sicher nicht nach arbeitsreichem Ernte-Einbringen, sorgenvollem Warten auf den ausbleibenden Regen, strengen Gerüchen … Dreck, Erde, natürlichem Werden und Vergehen.

Eine naive Vorstellung vom Landleben, die der reine Städter, der “Zivilisationsmensch” hat, zeigt Cristina Tomsig anhand gelungener, zynisch-humorvoller Skulpturen in ihrer ersten Einzelausstellung in der Galerie Atica (seit 13.11., noch bis zum 9.12.). Die talentierte Bildhauerin begann im vergangenen Jahr, mit dem Konzept “Land” zu arbeiten und schuf Relief-Bilder sowie Skulpturen aus Glaserkitt und Hipoxy-Kunststoff, von denen in dieser gekonnt präsentierten Ausstellung drei Werke zu sehen sind. Noch bildet sie in gewisser Weise Natur nach, den weichen Formen ihrer Reliefs könnte man mit den Händen folgen.

Lesen Sie weiter / Seguir leyendo »

El campo en la mira (1995)

Klicken Sie hier, um die deutsche Version zu lesen.

Primera exposición individual de la escultora Cristina Tomsig en Atica

Por Susanne Franz

¿Cómo se imagina la gente de la ciudad la vida en el campo? ¿Cuáles son los conceptos y hasta dónde llega la imaginación cuando uno se hace una idea del “campo”? Lo que viene a la cabeza es una nostalgia más bien difusa por la naturaleza, por aquello que la ciudad precisamente no posee, calma, una vida saludable y “verdadera”. Seguramente nadie piensa en arduas jornadas de cosecha, la preocupación cuando no viene la lluvia, los malos olores… la tierra, el barro, el ciclo natural de la vida.

Con sus esculturas entre cínicas e irónicas, Cristina Tomsig capta esa imagen ingenua de la vida en el campo que tiene el “hombre civilizado”, habitante de ciudades, en su primera muestra individual en la Galería Atica (desde 13/11 hasta 9/12). La talentosa escultora empezó a trabajar la idea del “campo” con relieves y esculturas de masilla y plástico epoxy; hay tres de estos trabajos en la muestra elegantemente montada. En estas obras, la artista todavía recrea en cierto modo la naturaleza; las obras tienen contornos tan suaves que dan ganas de seguirlos con las manos.

Lesen Sie weiter / Seguir leyendo »

Die Kraft, die von innen kommt (1997)

Click aquí para leer la versión en castellano.

Magda Frank – eine bedeutende Bildhauerin stellt aus

Von Susanne Franz

Die 83-jährige Bildhauerin Magda Frank arbeitet heute noch unermüdlich von morgens bis abends in ihrer Werkstatt. Dabei verwendet die zarte, kleine Frau nicht etwa leichte Materialien, und sie beschränkt sich auch nicht auf Kleinformate: Ihre ausdrucksstarken Skulpturen sind massiv, schwer und teilweise sehr groß. Magda Frank kann zu Recht heute unter die bedeutendsten Bildhauer Arentiniens gezählt werden. Kaum zu verstehen, dass ihr Werk hier so viel weniger Anklang findet als zurn Beispiel in Europa. Dabei sind die Arbeiten dieser sehr sympathischen Dame nicht nur technisch perfekt und von einer unglaublichen spirituellen Kraft, sondern sie möchte als außergewöhnlich extrovertierte Künstlerin ihr Schaffen auch mit allen anderen Menschen teilen. In ihrem Werkstatt-Museum in der Vedia 3546 (Bundeshauptstadt, Nähe Puente Saavedra, Tel.: 545-6359) empfängt sie mittwochs, samstags und sonntags von 15 bis 19 Uhr alle interessierten Besucher, auch Schulklassen, und ist immer bereit, über die mehr als 300 dort angesammelten wunderschönen Skulpturen und Details ihrer Arbeit zu sprechen.

Lesen Sie weiter / Seguir leyendo »

La fuerza que viene de adentro (1997)

Klicken Sie hier, um die deutsche Version zu lesen.

Magda Frank: obras de una escultora importante

Por Susanne Franz

La escultora Magda Frank tiene 83 años, pero eso no le impide trabajar día y noche en su taller sin siquiera cansarse. Aunque es menuda y bajita, no se queda con materiales livianos o formatos pequeños: sus impresionantes esculturas son macizas y pesadas, y algunas son muy grandes. Es cierto que Madga Frank es una de las más importantes escultoras de la Argentina. No se entiende por qué su obra se valora en Europa mucho más que acá. Y eso que los trabajos de esta dama tan simpática no solamente son perfectos técnicamente y poseen una increíble fuerza espiritual, sino que además ella es una artista muy comunicativa y extrovertida que quiere compartir su obra con todos. A quien le interese su trabajo Magda Franck lo recibe los miércoles, sábados y domingos de 15 a 19 horas en su taller-museo en la calle Vedia 3546 (Capital Federal, cerca de Puente Saavedra, Tel: 545-6359).También recibe a grupos escolares, y siempre está dispuesta a explicar y hablar sobre las más de 300 hermosas obras ahí reunidas.

Lesen Sie weiter / Seguir leyendo »

Suche nach dem verlorenen Paradies (1996)

Click aquí para leer la versión en castellano.

Eduardo Iglesias Brickles stellt in der Galerie Atica aus

Von Susanne Franz

Mit seinen beeindruckenden, farbig-schockierenden “Holzschnitt-Gemälden” ehrt Eduardo Iglesias Brickles, Jahrgang 1944, in einem Rundumschlag seine großen Vorbilder Masaccio, Gauguin, Duchamp, De Pisis, De Chirico, Max Bill und Aída Carballo. In einer Widmung im Katalog und mit direkten Bezügen in seinen Werken (z.B. in “Variación sobre ‘Ana, la javanesa’ de Paul Gauguin”) scheut er sich nicht, seine Idole klar beim Namen zu nennen und sogar Motive aus ihren Werken in seine Kompositionen aufzunehmen. Er hat auch keine Angst, Abbildungen eines seiner Künstler-Väter bzw. -Mütter verkitscht mit Heiligenschein ins Bild mit aufzunehmen. Überhaupt fürchtet sich dieser sentimental-innovative Künstler vor ganz wenigen Übertreibungen, das zeigt sich in seinen Riesenformaten, den knallenden Farben, dem yuppie-edlen Lack, mit dem er seine Bilder überzieht, und den romantisch-rustikalen Holzrahmen mit wilden Zickzackmustern, handgearbeitet, in denen er seine Werke kontrastreich zur Geltung kommen lässt.

Die Arbeit mit dem Kontrast zeigt sich beispielhaft in der Verwendung und gleichzeitigen Nicht-Verwendung der Holzschnitt-Technik. Die Riesenwerke Iglesias Brickles’ sind natürlich keine Holzschnitte, basieren aber auf kleineren Holzschnitt-Vorlagen, die dann ins Gemälde übertragen werden, so dass die gleiche tiefe Ausdruckskraft erzielt, aber simultan das Gefühl erzeugt wird, dass hier geschwindelt wurde. Dieses mit Absicht eingesetzte Stilmittel zeigt dialektisch-ironisch den Abstand des Künstlers zur “guten alten Zeit” auf – exemplarisch für die heutige Künstlergeneration -, aber auch seine völlig irrationale Sehnsucht nach eben dieser Zeit.

“Verlorene Paradiese” nennt Eduardo Iglesias Brickles seine sehr sehenswerte Ausstellung und fragt: Waren es paradiesische Zustände “damals”, ist das Gras “drüben” tatsächlich immer grüner? Wohin sehnen wir uns heute, mit welchem Ballast beladen schauen wir nach vorn?

Eduardo Iglesias Brickles beruft sich auf ganz besondere Merkmale seiner Vorbilder. Ihn faszinieren De Chiricos fiebrige Einsamkeit, Gauguins einer Weltflucht entspringendes Harmoniebedürfnis, Carballos und Bills Ausdrucksstärke. Er verbeugt sich vor diesen Meistern, seine eigene künstlerische Sprache hat er jedoch längst selbst gefunden. Nicht einfach, ist sie immer klassisch und kitschig, zerrissen und harmonisch, ironisch und sentimental zugleich.

Die Ausstellung kann man bis zum 8.6. besuchen: in der Galerie Atica, Libertad 1240, P.B., geöffnet Mo-Fr 11-13 und 15-20 Uhr, Sa 11-13.30 Uhr.

Foto:

“Músicos de Jazz”, Öl und Druckerschwärze auf Holz, 144 x 104 cm, 1996.
(Von der Website des Künstlers.)

Erschienen im “Argentinischen Tageblatt” vom 25. Mai 1996.

En busca del Paraíso perdido (1996)

Klicken Sie hier, um die deutsche Version zu lesen.

Eduardo Iglesias Brickles expone en la Galería Atica

Por Susanne Franz

Con sus deslumbrantes “xilo-pinturas”, Eduardo Iglesias Brickles, nacido en 1944, rinde homenaje a todos sus grandes ídolos: Masaccio, Gauguin, Duchamp, De Pisis, De Chirico, Max Bill y Aída Carballo. No teme nombrarlos abiertamente, tanto en el catálogo como con citas directas en sus obras; por ejemplo en “Variación sobre ‘Ana, la javanesa’ de Paul Gauguin”. Es que en sus propias obras, Iglesias Brickles incluye sin miedo motivos de las obras de esos grandes; ni siquiera le hace asco a retratar a sus mentores y mentoras en forma kitsch, aureola mediante. Es evidente de que este artista sentimental e innovador no se detiene ante casi ninguna exageración: sólo hay que mirar el tamaño enorme de sus obras, los colores chocantes, la laca exageradamente fina con la que sella sus obras, y finalmente los marcos -hechos a mano- con sus dibujos en salvaje zigzag que usa para que sus obras se luzcan en el contraste.

El trabajo con los contrastes se ejemplifica en el uso (y a la vez, el no-uso) de la xilografía. Claro que las obras gigantes de Iglesias Brickles no son xilografías, pero sí se basan en bocetos hechos con esa técnica que después son trasladados a la obra. Así se logra ese conmovedor “xilo-efecto”, y al mismo tiempo uno no puede luchar contra la impresión de que aquí alguien nos engaña. El artista echa mano de este recurso para distanciarse dialéctica- e irónicamente de los “buenos viejos tiempos”, y lo hace en forma representativa de toda una generación de artistas modernos. Al mismo tiempo ni siquiera trata de esconder su nostalgia irracional por esos mismos tiempos.

“Paraísos perdidos”, así llama Eduardo Iglesias Brickles a su muy recomendable exposición, y nos pregunta: ¿Eran realmente paradisíacas las condiciones de antaño? ¿Es verdad que el pasto de los otros siempre es más verde que el nuestro? ¿Cuáles son nuestros deseos, cuál es nuestra nostalgia, hoy? ¿Cuánto pesa ese equipaje que cargamos mientras vamos para adelante?

Eduardo Iglesias Brickles invoca en sus obras características muy especiales de sus ídolos: la soledad febril de De Chirico, la añoranza de armonía de Gauguin que resultaba de su fuga del mundo, la fuerza expresiva de Bill y Carballo. Si bien les hace una reverencia, hace tiempo que el artista ha encontrado su propio lenguaje: no siempre fácil, es a la vez clásico y cursi, desgarrador y armónico, irónico y sentimental.

Se puede visitar la muestra hasta el 8 de junio en Atica, Libertad 1240, P.B.

Foto:

“Músicos de Jazz”, óleo y tinta gráfica sobre madera tallada, 144 x 104 cm, 1996.
(Del sitio web del artista.)

Publicado en “Argentinisches Tageblatt” el 25 de mayo de 1996.

Antik-moderne Puppenstube (1995)

Click aquí para leer la versión en castellano.

Adriana Cerviño stellt Keramik-Objekte bei Atica aus

Von Susanne Franz

Die letzte Ausstellung in diesem Jahr, bevor die Galerie Atica für den Sommer ihre Pforten schließt, eröffnete am Montag, ist bis zum 6.1.1996 zu sehen und präsentiert eine sehr ungewöhnliche Künstlerin mit originellen Werken: Adriana Cerviño mit ihren Keramik-Objekten, d.h. Keramik-Puppen, die an antike Porzellanpuppen erinnern, und die die Künstlerin in einen Zusammenhang stellt, indem sie sie auf bemalte Holzsockel stellt, in eine Kiste integriert, von einem Seil herabhängen lässt, sie von einem Kasten “lebensmüde” in den Abgrund stürzen lässt, etc.

Cerviños etwa 30 cm hohe Figuren wirken überraschend lebensecht, ihre Bewegungen sind in einem exakten Moment eingefangen und eingefroren in ausdrucksstarken Gesten. Besonders beeindruckend sind die Gesichter, die, asymmetrisch, in völligem Gegensatz stehen zu den schönen schrecklichen Puppengesichtern alter Zeiten, die man sich in Puppenstuben von Königshäusern ebensogut wie in einem Horrorfilm vorstellen kann. Überraschung auf dem Gesicht des “Straßenmädchens”, Erlösung in den Zügen des von der Brücke Springenden, Zufriedenheit bei einem schlafenden Paar, Ergebenheit beim “Gestraften”: hier beweist Adriana Cerviño vielleicht ihre größte Ausdruckskraft.

Lesen Sie weiter / Seguir leyendo »

Casa de muñecas poco convencional (1995)

Klicken Sie hier, um die deutsche Version zu lesen.

Adriana Cerviño expone cerámicas en Atica

Por Susanne Franz

La última exposición antes que la Galería Atica cerrara sus puertas por el verano se inauguró el lunes y se puede visitar hasta el 6 de enero de 1996. Se presenta una artista dueña de obras originales: Adriana Cerviño y sus muñecas de cerámica que remiten a sus hermanas de porcelana de los viejos tiempos. La artista las pone en relación con diferentes situaciones: las ubica arriba de un zócalo de madera pintada, las instala en una caja, las hace colgar de una soga o las deja tirarse, “suicidas”, desde un cajón al precipicio.

Las figuras de más o menos 30 centímetros de alto parecen sorprendentemente reales, sus movimientos están captados en un momento exacto y “congelados” en gestos expresivos. Impresionan en especial las caras que, asimétricas, no tienen nada que ver con caritas de sus modelos que, tan bellas como horripilantes, podrían ser parte de la colección de un palacio o inventario de una película de terror. Se dibuja sorpresa en la cara de la “Chica de la Calle”, alivio en los rasgos del suicida; la pareja durmiente parece contenta, el “Castigado” rendido ante su destino. La mayor fuerza expresiva de la artista Cerviño está en estas caras.

Lesen Sie weiter / Seguir leyendo »

Argentinische Erzählungen

Click aquí para leer la versión en castellano.

Berni-Ausstellung im MNBA zeigt soziale Probleme

Von Katharina Köhler

Das Museo Nacional de Bellas Artes in Buenos Aires eröffnete am Donnerstag, dem 15. Juli, die Ausstellung „Berni: Narrativas argentinas“ (Berni: Argentinische Erzählungen), die 31 herausragende Werke des argentinischen Künstlers Antonio Berni, einem der wichtigsten Vertreter der lateinamerikanischen Kunstszene, zeigt.

Der Künstler aus Rosario ist eine Schlüsselfigur der argentinischen Kultur, dessen Werk stark von sozialen Inhalten geprägt und von Charakteren wie Juanito Laguna und Ramona Montiel durchzogen ist – Vertreter der unteren und vergessenen Schichten. Dank der sozialen Problematik seiner Werke wuchs Bernis Bekanntheitsgrad beträchtlich. Seine Bilder wurden in New York zu teilweise sehr hohen Preisen versteigert.

Lesen Sie weiter / Seguir leyendo »

“Narrativas Argentinas”

Klicken Sie hier, um die deutsche Version zu lesen.

La exposición de Antonio Berni en el MNBA demuestra problemas sociales

Por Katharina Köhler

En el Museo Nacional de Bellas Artes se inauguró el jueves, 15 de julio, la exposición “Berni: Narrativas argentinas”, que presenta 31 obras destacadas del artista argentino Antonio Berni, uno de los principales representantes del ambiente artístico latinoamericano. El artista rosarino es una figura clave de la cultura argentina. Su obra está fuertemente marcada por contenidos sociales y representada por figuras como Juanito Laguna y Ramona Montiel, personajes de los estratos sociales más bajos y olvidados. Gracias a ese aspecto social aumentó considerablemente el grado de la popularidad de la obra de Berni. Sus cuadros fueron subastados en Nueva York, en parte a precios muy altos.

Lesen Sie weiter / Seguir leyendo »