Razonar y sentir

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Obras 1996-2006: Gabriel Salomón en la Galería Rubbers

Por Susanne Franz

¿Cómo se puede entender el título de la nueva exposición de Gabriel Salomón, “Lo último en arte”? ¿Como slogan publicitario “Último grito en el arte”? ¿O como sentencia apocalíptica: “Lo último en el arte”? ¿Confiesa el artista “Doy lo último que tengo para el arte”?, o ¿expresa sus temores y dudas diciendo “Es esto lo último que tengo para dar”?

“Lo último en arte” es, en principio, el título de una de las cinco series que componen esta síntesis de los diez últimos años de creación del artista. Desde 1996 Salomón elabora cubos de 125 milímetros de varios materiales –siempre nobles y duraderos como mármol, vidrio, aluminio, etc.–, que tienen en relieve la inscripción “Lo último en arte”. Para él, estos cubos son mensajeros. En una ceremonia los regala a personas importantes para él, o los entrega a lugares significativos, donde los entierra o los hunde en el agua. Salomón registra estas ceremonias en documentos sellados, con lo que confiere al ritual una dimensión festiva y, al mismo tiempo, ironiza sobre él. Con esta serie conceptual, Salomón describe la relación del artista y su obra con su entorno. “Da” lo suyo, pero sólo él sabe si adentro realmente hay lo que el título promete.

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Der Weg ist das Ziel

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Die Ent-Täuschung des Francis Alÿs: “A Story of Deception” im Malba

Von Susanne Franz

Kilometer für Kilometer das gleiche Spiel: eine mehr oder weniger geradlinige Straße erstreckt sich vor Dir bis zum Horizont, doch irgendwo davor, in der Mitte, zerfließt sie und wird zu einem gleißenden, wabernden, verheißungsvollen Meer, das Dir entgegenrollt, das Du aber nie erreichst, denn wenn Du Dich näherst, verwandelt es sich sofort wieder in die alte, langweilige, staubige, tote Straße.

Es ist ein ständiges Hinhalten, ein Locken, ein glühendes Versprechen, aus dem nie etwas wird, denn Du kommst niemals an, die Verheißung wird im selben Moment zur nüchternen Realität, in dem sie Dir am erreichbarsten erscheint.

Der belgische Künstler Francis Alÿs (Jahrgang 1959), der seit 1986 in Mexiko lebt und arbeitet, hat mit seiner “Story of Deception” die erste Auftragsarbeit eines Künstlers für das “Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires” (MALBA) geschaffen. Zwischen 2003 und 2006 bereiste er mit einem Team die argentinische Pampa und Patagonien, um dort einer Fata Morgana hinterherzujagen: Ihn faszinierte ein Mythos, nach dem das Volk der Tehuelches Nandus gejagt haben soll, indem es die riesigen Straußenvögel so lange zu Fuß verfolgte, bis diese ermüdeten und eine leichte Beute ihrer Jäger wurden.

Alÿs interessierte dieses Wandern als Jagdmethode, denn seine Kunstaktionen haben mit Wanderungen/Bewegungen jeglicher Art zu tun – egal ob er sich selbst fortbewegt wie in der Aktion “Manchmal führt das Tun zu Nichts” von 1997, als er einen riesigen Eisblock neun Stunden lang durch Mexiko City schob, bis er geschmolzen war; oder ganze Landschaften bewegt wie in “Wenn der Glaube Berge versetzt” von 2002, als er 500 Menschen in der Nähe von Lima eine Sanddüne abtragen und wieder aufschichten ließ. Auf seinen Reisen nach Argentinien kam er jedoch nicht zu dem Ergebnis, das er sich vielleicht vorgestellt hatte, er kam zu überhaupt keinem Ziel, sondern stellte fest, dass sich das Ziel ihm immer wieder unausweichlich entzog.

Die Geschichte seiner Ent-Täuschung ist nichts anderes als eben das: das Ende einer Täuschung. Nicht das Ankommen ist wichtig, sondern der Weg – bzw. es gibt kein Ankommen, und auch der Weg ist voller Gespenster, scheint die (keinesfalls tröstliche!) Aussage der dokumentarischen Kunstaktion des Belgiers zu sein, der seinem berühmten Vorreiter René Magritte in nichts nachsteht – vielleicht unterscheidet er sich in der Methode, aber keineswegs im Konzept.

Francis Alÿs, „A Story of Deception“, Patagonien 2003-2006, Video, Zeichnungen, Fotos. MALBA, Av. Figueroa Alcorta 3415 (dienstags geschlossen). 14.4.-12.6.

El camino es el destino

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El des-engaño de Francis Alÿs: “A Story of Deception” en el Malba

Por Susanne Franz

Kilómetro tras kilómetro, es siempre el mismo juego: una ruta más o menos recta se extiende delante de tus ojos hacia el horizonte, pero en algún lugar, en el medio, se disuelve y se transforma en un mar resplandeciente, agitado, prometedor, que se mueve en tu dirección, pero al cual nunca llegas, porque cuando te acercas vuelve a ser enseguida la vieja ruta, aburrida, polvorienta, y muerta.

Es una espera en eterna suspensión, una seducción, una promesa ardiente, que nunca se va a cumplir, porque nunca llegas a ninguna parte: lo prometido se convierte en sobria realidad en el mismo momento en el cual te pensabas lo suficientemente cerca para atraparlo.

El trabajo “A Story of Deception” del artista belga Francis Alÿs (nacido en 1959), que reside y trabaja en México DF desde 1986, es el primero que fue creado por un artista invitado para el “Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires” (MALBA). Entre 2003 y 2006, Alÿs viajó con un equipo varias veces a la Pampa argentina y a la Patagonia, persiguiendo un espejismo: lo atraía un mito según el cual el pueblo de los Tehuelches cazaba ñandúes caminando tras ellos hasta cansarlos y convertirlos en una presa más facil.

La caminata como método de caza le interesaba a Alÿs, ya que sus acciones artísticas siempre tienen que ver con caminatas y desplazamientos —tanto si él mismo se mueve como en la acción “A veces hacer algo lleva a la nada” de 1997, cuando empujó un bloque de hielo enorme durante nueve horas por las calles de México, hasta que se derritió; o haciendo que se desplace un paisaje, como en “Cuando la fe mueve montañas” de 2002, donde quinientas pesonas movieron una duna de arena cerca de Lima. No obstante, en sus viajes a la Argentina, Alÿs no llegó al resultado que se había imaginado, no llegó a ningún resultado: se dio cuenta de que el destino que buscaba lo estaba eludiendo inevitablemente, todo el tiempo, una y otra vez.

La historia de su des-engaño no es nada más, y nada menos, que esto: el fin de un engaño. Que no importa el destino, sino el camino —o más bien, no hay destino, y el camino está lleno de espectros— parece ser el mensaje (poco consolador) de la acción artística documental del belga, que no tiene nada para envidiar a René Magritte, su gran compatriota, a quien se parece mucho en los conceptos, aunque tenga métodos diferentes.

Francis Alÿs, “A Story of Deception”, Patagonia 2003-2006, video, dibujos, fotos. MALBA, Av. Figueroa Alcorta 3415 (martes cerrado). 14.4.-12.6.

Este artículo salió además en TamTam.

Untertauchen im Bermuda-Dreieck

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Ausstellungen bei Ruth Benzacar, Klemm und im CCEBA

Von Susanne Franz

In der “Fundación F.J. Klemm” ist neben dem “IX. Klemm-Kunstpreis” auch eine Ausstellung mit Porträts des 2002 verstorbenen, betrauerten Künstlers, Kunstsammlers, Förderers und TV-Moderators zu sehen (hier ein Porträt von Delia Cancela).

Im “Bermuda-Dreieck” der mitten im Herzen von Buenos Aires gelegenen Kunstgalerien “Ruth Benzacar” (Florida 1000), “Fundación F.J. Klemm” (M.T. de Alvear 626) und dem spanischen Kulturzentrum CCEBA (Florida 943) kann der Kunstfreund tief in die Geheimnisse der zeitgenössischen Kunst eintauchen – ohne dabei verlorengehen zu müssen.

Die drei zu den renommiertesten und feinsten Adressen zählenden Kunsttempel liegen nur wenige Meter voneinander entfernt und allesamt unter der Erde. In jeder der drei Galerien wollte der Künstler Martín Bonadeo sich in den Kreislauf der Überwachungskameras einklinken und jeweils einen Monitor installieren, auf dem zu sehen ist, was sich in einer der anderen drei Galerien abspielt. Sein Plan war, auf diese Arte und Weise einen “Geschlossenen Kunstkreislauf” zu simulieren. Das Projekt scheiterte an zahllosen bürokratischen Hürden und erwies sich als undurchführbar. Es wird als solches (in der Entwicklungsphase) im CCEBA im neu erdachten MI-Raum gezeigt (MI=Mission Impossible). Die Ausstellung ist symptomatisch für den argentinischen Kunstbetrieb, der Spitzenkünstler hat, deren Projekte nicht verwirklicht werden können.

Unter den vielen “kleineren” Ausstellungen, die momentan im CCEBA laufen, muss man zudem die Videos junger spanischer Künstler und Künstlergruppen (“Miradas Breves”) und die Fotografien von Alejandra Urresti als besonders gelungen hervorheben.

Am Mittwoch eröffnete die Galerie Ruth Benzacar die Saison 2006 mit einer Ausstellung von Ernesto Ballesteros, der u.a. einen riesigen Berg dunklen Garns am Boden der Galerie zeigt. Man erfährt, dass es 40.000 km sind, genau der Umfang der Erde. Die Installation macht dem Betrachter auf sensible Weise die Zerbrechlichkeit des Planeten bewusst. Unterstrichen durch eine Sound-Installation mit sphärischen Klängen, wird die Ausstellung durch monochrome Zeichnungen an den Wänden ergänzt, die an poetische Landschaften erinnern. Ballesteros hat diese Zeichnungen – ganz in der Tradition der Alten Meister – in Gemeinschaftsarbeit mit mehreren Helfern geschaffen: Auf diese Art und Weise stellt er subtil die Frage nach der Autorenschaft eines Kunstwerks.

Ernesto Ballesteros’ Ausstellung besitzt einen Unterton distanzierter Trauer, und deshalb berührt die leidenschaftliche Intensität der Gemälde Valentina Liernurs im “Nuevo Espacio” der Galerie um so stärker. Für diejenigen, die auch im Falle Liernurs um ein Verständnis der neuen Formen der Kunst ringen, empfiehlt sich die Lektüre des ausgezeichneten Prologs von Leopoldo Estol im Katalog.

Der Artikel erschien am 01.04.06 im “Argentinischen Tageblatt”.

Buceando en el triángulo de las Bermudas

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Muestras en Ruth Benzacar, Klemm y el CCEBA

Por Susanne Franz

En la “Fundación F.J. Klemm” se puede ver el “IX Premio a las Artes Visuales Federico Jorge Klemm” y una muestra de retratos del recordado artista, coleccionista, mecenas y conductor de televisión (aquí el retrato de Silvina Benguria, del 1969).

En el Triángulo de las Bermudas de las galerías de arte “Ruth Benzacar” (Florida 1000), “Fundación F.J. Klemm” (M.T. de Alvear 626) y el Centro Cultural de España de Buenos Aires CCEBA (Florida 943), que se encuentran en el corazón de la ciudad de Buenos Aires, el amante del arte puede sumergirse profundamente en los secretos del arte contemporáneo —sin temor a ahogarse.

Los tres templos del arte, que se encuentran entre los más finos y renombrados dentro de la escena artística de Buenos Aires, están ubicados a pocos metros uno del otro, y todos bajo tierra.

En cada una de las tres galerías, el artista argentino Martín Bonadeo iba a “colgarse” al circuito cerrado de las cámaras de observación e instalar un monitor, donde se iba a ver qué pasaba respectivamente en las otras galerías. De esa manera, Bonadeo planificaba crear un “Circuito Cerrado del Arte”. El proyecto no pudo concretarse por numerosos problemas burocráticos. Se puede ver como en “fase de planificación” en el CCEBA, en un espacio creado especialmente para la ocasión: el Microespacio “i” (Mi = Misión imposible). La muestra de Bonadeo es paradigmática para la situación del arte en la Argentina, que tiene artistas de altísimo nivel que no pueden concretar sus proyectos.

Entre la gran cantidad de “muestras chicas” en el CCEBA, se destacan los videos de jovenes creadores españoles, “Miradas Breves”, y las excelentes fotografías de Alejandra Urresti.

El miércoles, la galería Ruth Benzacar abrió su temporada 2006 con una muestra del artista Ernesto Ballesteros. En el piso de la galería se encuentra una enorme montaña de hilo oscuro —exactamente 40.000 km de hilo, la circunferencia de la Tierra a la altura del ecuador. En el espectador, la instalación despierta de manera sensible una conciencia sobre la fragilidad de nuestro planeta. Una instalación sonora subraya este efecto precario. Los dibujos monocromáticos en las paredes de la galería recuerdan paisajes poéticos. Ballesteros creó estos dibujos con la ayuda de unos cuantos ayudantes, siguiendo una tradición de los antiguos maestros. De esa manera, plantea sutilmente la pregunta sobre la autoría de una obra de arte.

La muestra de Ernesto Ballesteros posee un subtono de gran tristeza y distancia. Por contraste, tocan muy fuerte las pinturas apasionadas de Valentina Liernur en el “Nuevo Espacio” de la galería. A quienes nos cuesta entender “las nuevas formas” del arte contemporáneo, nos sirve el excelente prólogo de Leopoldo Estol en el catálogo.

Este artículo salió (en idioma alemán) el 1/4/06 en el “Argentinisches Tageblatt”.

Horror zum Anfassen

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Zeichnungen und genähte Skulpturen von Pablo Peisino bei Elsi del Rio

Von Susanne Franz

Der aus Córdoba stammende Pablo Peisino ist ein Lebens-Künstler. Sein Geld verdient er als Hausmeister in einem privaten Parkhaus. Das Gute daran – dort unten unter der Erde hat er einen kleinen, 2×3 Meter messenden Raum, den er als Atelier nutzt. Da sitzt er in seiner freien Zeit und näht – in letzter Zeit hauptsächlich Knochen. In der Kunstgalerie Elsi del Rio in Palermo Hollywood, die ihre Saison 2006 am 8. März mit Peisinos Ausstellung “Mutantópolis” eröffnete, ist ein ganzer Knochenberg auf dem Boden zu sehen. Größere und kleinere Knochen liegen da, in der Mehrzahl grau. Sie wirken kuschelig wie Plüschtiere – und so makaber wie ein anonymes Massengrab.

Auch die anderen genähten Skulpturen Peisinos haben es in sich. So steht unten am Sockel ein über dem Knöchel abgeschnittener Fuß, die Schnittstelle ist mit rotem Stoff bedeckt. Nicht niedlich ist auch eine etwa 1,50 m große, bunte Puppe, die an der Wand hängt und deren auffallendstes Merkmal ein gasmaskenähnlicher Rüssel ist. Peisino erzeugt in seinen Skulpturen ein Spannungsfeld zwischen dem weichen, zum Anfassen einladenden Material und den grauenerweckenden Objekten, die er darstellt. Das passt nicht, das erwartet man nicht – das stört und stört auf.

Der Künstler arbeitet in Córdoba neben dem Hausmeisterjob auch noch in einem Comic-Buchladen. Seine Zeichnungen, die die Ausstellung komplettieren, sind stark an dieses Genre angelehnt. Auch in ihnen besteht ein Kontrast zwischen dem teilweise gewollt unbeholfenen Stil und dem düsteren Inhalt – Kämpfer in einer apokalyptischen Zukunft, ein Pianist, der mit einem letzten Konzert den Untergang begleitet, ein Junge und ein Hund neben einem riesigen Knochenberg, eine Spinne, die ihr Opfer rettungslos eingesponnen hat und sich ihm nun nähert, um es zu fressen.

Peisinos Werk ist düster-pessimistisch und zugleich prosaisch, es will kein Aufruf sein, die Welt zu ändern, um das Schlimmste zu verhindern, sondern vermittelt eine stoische Gewissheit, dass es nicht zu ändern ist. Und obwohl Peisinos Werk Humor besitzt, macht er keine Witze. Einen Hoffnungsschimmer könnte man in der Wahl seiner Materialien sehen – das Weiche der Skulpturen und die Unfertigkeit der Striche in den Zeichnungen zeugen von dem Glauben an einen positiven Entwicklungsspielraum im Hier und Jetzt.

Im Mai wird Elsi del Rio das interessante Werk Pablo Peisinos auch auf der Kunstmesse arteBA präsentieren.

Pablo Peisino, „Mutantópolis”. Elsi del Río Arte Contemporáneo, Arévalo 1748, Palermo Hollywood. Di-Fr 15-20, Sa 11-14 Uhr. Bis 15.4.

Dieser Artikel erschien am 25.3.2006 im “Argentinischen Tageblatt”.

Terror blandito

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Los dibujos y esculturas blandas de Pablo Peisino en Elsi del Rio

Por Susanne Franz

El artista cordobés Pablo Peisino trabaja como portero en un garage privado. Lo bueno es que por allí abajo tiene un espacio pequeño de unos 2×3 metros que le sirve de atelier. En su tiempo libre, se lo encuentra ahí sentado, cosiendo objetos. Últimamente, la mayoría son huesos. Hay una montaña enorme de estos huesos en el piso de la galería de arte Elsi de Río en Palermo Hollywood, que el 8 de marzo inauguró la temporada 2006 con la muestra “Mutantópolis” de Pablo Peisino. Hay huesos más grandes, y huesos más chicos, casi todos grises. Parecen suaves como peluches —y tan macabros como una fosa común.

Las otras esculturas blandas de Peisino son igual de explosivas. Por ejemplo un pie, cortado por arriba del tobillo, que está parado al lado del zócalo. La superficie de arriba está cubierta con tela roja. No es nada dulce, tampoco, un muñeco de un metro y medio, colgado en la pared, que se destaca por una trompa tipo máscara de gas. Con sus esculturas, Peisino crea un campo de tensión entre el material suave que invita a tocarlo, y los objetos medio patéticos, medio terroríficos hechos con este material. Lo que perturba es que no se trata de la conocida tensión forma-contenido, sino una rara tensión forma-forma.

Además de su trabajo de portero, el artista trabaja en una librería de comics de Córdoba. Es este género el que influye más en sus dibujos, que completan la muestra. Con toda intención, Peisino emplea un estilo torpe que da un aire tierno a los contenidos pesimistas: luchadores en un futuro apocalíptico, un pianista que toca su último concierto frente al ocaso, un chico y un perro al lado de una montaña de huesos, una araña que se acerca a su víctima enredada sin remedio para comérsela. Otra vez crea una tensión que sacude al espectador.

La obra de Peisino es oscura y a la vez prosaica, no es una llamada a cambiar el mundo antes de que sea demasiado tarde, sino una certeza estoica de que ya no hay nada que hacer al respecto. Y aunque los trabajos del artista poseen humor, no está haciendo ningún chiste. Sin embargo, se detecta una pizca de esperanza en la elección de los materiales y métodos: la suavidad de las telas en las esculturas y la ligera torpeza de los trazos en los dibujos podrían significar algo de fe en un margen de acción en el aquí y ahora.

En el mes de mayo, la galería Elsi del Rio va a mostrar la interesante obra de Pablo Peisino en el marco de la feria arteBA.

Pablo Peisino, “Mutantópolis”. Elsi del Río Arte Contemporáneo, Arévalo 1748, Palermo Hollywood. Mar-Vie 15-20, Sab 11-14 hs. Hasta 15.4.

Este artículo salió (en idioma alemán) el 25/3/2006 en el “Argentinisches Tageblatt”, y (en castellano) en http://elsidelrio.blogspot.com.

Spiel mir das Lied vom Tod

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Robert Capa im Centro Cultural Borges

Von Susanne Franz

Chartres, 18. August 1944. Eine Französin, die ein Baby mit einem deutschen Soldaten hatte, musste sich zur Strafe den Kopf rasieren.
Copyright (c) by Cornell Capa 2001

Es ist merkwürdig, sich im Zeitalter von “Paparazzi” und Sensationsjournalismus mit dem Werk des Fotografen Robert Capa zu beschäftigen. Mit seinen Bilderserien von Bürger- und Weltkriegen, Tod und Zerstörung, erlangte der 1913 in Budapest als André Friedman geborene jüdische Wahl-Amerikaner Weltruhm und gründete mit anderen Größen seines Fachs die mächtige Foto-Agentur Magnum (“damit sich die Kollegen darum kümmern können, Fotos zu machen, statt sich bemühen zu müssen, sie zu verkaufen”).

Capas berühmtestes Bild stammt aus dem spanischen Bürgerkrieg, es zeigt den Milizionär Federico Borrell García in dem Moment, als er erschossen wird. Von einer Kugel tödlich getroffen, fällt sein Körper nach hinten, das Gewehr gleitet aus seiner rechten Hand, auf seinem Gesicht liest man noch den Moment der Erkenntnis seines Todes. An diesem Foto ist nichts Sensationalistisches, es ist die nüchternste, bitterste Beschreibung des Todes, die man sich vorstellen kann. Einen solchen Moment kann nur jemand festhalten, der keine Angst davor hat, dem Tod ins Auge zu sehen – dem der anderen nicht und auch nicht dem eigenen. Niemals könnte jemand ein solches Foto machen, der danach sucht.

Capa selbst nahm sein Talent immer auf die leichte Schulter, womöglich, um die Gabe, die er besaß, nicht zu verlieren..“Ich bin ein Spieler”, charakterisierte er sich selbst, einer, der jederzeit bereit sei, sein Leben aufs Spiel zu setzen. Sein Tod war nur eine logische Konsequenz aus diesem Spiel: Capa starb am 25. Mai 1954 in Indochina, wo er als Kriegsreporter für Life arbeitete. Er trat auf eine Mine. Das letzte Bild in seiner Kamera zeigt Soldaten auf dem Weg von Namdinh nach Taibinh, hinter denen er herging, Minuten vor seinem Tod.

Die Ausstellung “Robert Capa, fotógrafo”, die am 7. März im Centro Cultural Borges eröffnet wurde, bildet mit fast 100 Fotografien einen interessanten Einblick in Capas Schaffen. Neben Bildern von den zahlreichen Kriegsschauplätzen, an denen sich Capa aufhielt, sind auch Fotos einiger Berühmtheiten aus dem Bekanntenkreis des Lebemanns Capa ausgestellt, wie z.B. Gary Cooper und Ernest Hemingway.

Bis zum 25. April im Centro Cultural Borges, Viamonte/San Martín. Eintritt 8 Pesos. Zur Ausstellung erschien ein empfehlenswerter Katalog.

Der Artikel erschien am 18.3.06 im “Argentinischen Tageblatt”.

Dieser Link führt Sie zu einem Artikel von Julio Sánchez (auf Spanisch).

Crónica de una muerte anunciada

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Robert Capa en el Centro Cultural Borges

Por Susanne Franz

Chartres, 18 de agosto de 1944. Una mujer francesa que tuvo un bebé con un soldado alemán fue obligada a raparse.
Copyright (c) by Cornell Capa 2001

Es muy extraño, en la época de los “paparazzi” y el periodismo sensacionalista, encontrarse frente a la obra del fotógrafo Robert Capa. Célebre por sus series de fotos de guerras civiles y mundiales, de muerte y destrucción, Capa había nacido en 1913 en Budapest como André Friedman. Judío perseguido por los nazis, finalmente se naturalizó como estadounidense. Fundó, junto a otros grandes fotógrafos, la poderosa agencia Magnum (“para que los colegas se puedan concentrar en hacer fotos y no preocuparse por venderlas”).

Capa sacó su fotografía más famosa durante la guerra civil española. Es el retrato del miliciano Federico Borrell García en el momento de su muerte. Con el impacto de una bala, su cuerpo pega un salto hacia atrás, el rifle se le cae de la mano, en la cara se lee el segundo en que entendió su muerte. Esta foto no tiene nada sensacionalista, es una descripción de la muerte lo más sobria y dura que se puede imaginar. Una persona capaz de captar un momento como éste debe ser alguien que no teme a la muerte —ni a la de los demás ni a la propia. Nadie en búsqueda de un motivo como éste lograría una fotografía de tal magnitud.

Capa tomó su talento con ligereza, posiblemente por temor a perder el don que poseía. “Soy un jugador”, se autocaracterizó, alguien que estaba dispuesto en cada momento a apostar la vida. Su muerte fue una consecuencia lógica de este juego: Capa murió el 25 de mayo de 1954 en Indochina, donde trabajaba como reportero de guerra para “Life”. Pisó una mina. La última foto en su cámara muestra un grupo de soldados caminando entre las ciudades de Namdinh y Taibinh, a los que estaba siguiendo, minutos antes de morir.

Con casi 100 fotografías, la interesante muestra “Robert Capa, fotógrafo”, inaugurada el 7 de marzo en el Centro Cultural Borges, permite hacerse una idea sobre el trabajo de Capa. Junto a sus fotografías de los numerosos escenarios de guerra que visitó, se pueden ver algunas imágenes de celebridades del círculo de amigos del también “bon vivant” Capa, entre otros Gary Cooper y Ernest Hemingway.

Hasta el 25 de abril en el Centro Cultural Borges, Viamonte/San Martín. Entrada 8 Pesos. Se editó un catálogo recomendable.

Este artículo salió (en idioma alemán) el 18/3/06 en el “Argentinisches Tageblatt”.

Este link lleva a un artículo de Julio Sánchez.

Träume und Alpträume

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Retrospektive von Fermín Eguía im Centro Cultural Recoleta

Von Susanne Franz

“Ohne Titel”, Aquarell, 1998.

Alles ist lebendig in den Gemälden von Fermín Eguía. Seine Bilder, die die Landschaft des Tigre-Deltas einfangen, sind ein dichtes Gewebe von Kreuchendem, Fleuchendem, Wachsendem und Wucherndem. Pflanzenwelt und Tierwelt verschmelzen und werden zu einem Biotop, in dem die seltsamsten Wesen hausen, zu einer Ursuppe, in der immer neue Lebensformen entstehen.

Fermín Eguía lässt innere Welten erstehen, alptraumhafte Bilder, die normalerweise nicht einmal ans Bewusstsein kommen,

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Sueños y pesadillas

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Retrospectiva de Fermín Eguía en el Centro Cultural Recoleta

Pon Susanne Franz

“Sin título”, acuarela, 1998.

Todo está vivo en las pinturas de Fermín Eguía. En sus imagenes, que captan los paisajes y el espíritu del Delta del Tigre, abundan animales reptando, volando o nadando, y una vegetación que crece de manera incontrolable. Flora y fauna se unen, formando una biosfera donde habitan seres rarísimos, una sopa primordial que engendra todo el tiempo nuevas formas de vida.

Con sus obras, Fermín Eguía crea mundos interiores, imagenes pesadillescas, que normalmente ni siquiera suben al nivel de la conciencia.

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